Las leyes del contorsionismo

Cuentos de lo extraño

2011-02-07T18:59:00.002+01:00

A pesar de ser considerado por muchos como uno de los escritores de terror más interesantes de la segunda mitad del siglo XX, el británico Robert Aickman permanecía prácticamente inédito en España. Quizá con la intención de hacer bueno el dicho de más vale tarde que nunca, la editorial Atalanta acaba de sacar al mercado Cuentos de lo extraño, recopilación de ocho relatos publicados originalmente entre los años 1951 y 1968. Se trata de textos para leer sin premura, recreándose en las atmósferas que el autor construye con maestría; textos inquietantes, sugerentes, cercanos a lo onírico; recomendables, en definitiva, para quienes buscan una alternativa a los caminos por los que discurre el género hoy en día.

Recomendación: Himes

2011-01-31T11:08:00.003+01:00

Chester Himes es uno de los grandes de la novela negra. Entre sus personajes más carismáticos, Ataúd y Sepulturero, detectives que tienen en el neoyorquino barrio de Harlem su particular campo de acción. Ambos protagonizan los títulos recuperados durante los últimos meses en formato bolsillo por la editorial Akal: Por amor a Imabelle, La banda de los musulmanes, El extraño asesinato y El gran sueño de oro. Buena ocasión para acercarse a la obra de un autor vinculado en cierto modo con España, pues Himes vivió en la provincia de Alicante alrededor de quince años.

Los sueños y las circunstancias

2011-01-30T10:28:00.002+01:00

Yo quería ser jugador de fútbol, domador de leones y piloto y todas esas cosas que quieren ser los niños.

¿Piloto de qué?

Piloto de lo que sea, ¡cojones!, piloto de lanchas rápidas o de bombarderos.

¿Qué te separó de tu sueño?

Dios, el presidente de los Estados Unidos, la KGB, qué va a ser, todo lo demás.

¿Qué es todo lo demás?

Por un lado está lo que uno quiere y por otro lado está todo lo demás, y cuando digo todo me refiero a todo.

¿Y ahora qué quieres ser?

Jugador de fútbol, domador de leones, piloto...

Pensé que tus sueños se habrían adaptado a las circunstancias a estas alturas.

Los sueños que se adaptan a las circunstancias no son sueños, se llaman anuncios y los utilizan para fastidiarte las películas.

¿Qué sabes de tu hermano?

Que no está mejor que yo, su búnker siempre ha sido peor que el mío, tiene al enemigo dentro. En la misma guerra no todos mueren al mismo tiempo.

Ray Loriga, Héroes

Programa doble .3.

2011-01-29T16:48:00.003+01:00

Escalofrío (Bill Paxton, 2001)

Rara vez oigo mencionar esta película cuando se elaboran listas con las mejores producciones de terror de los últimos años, probablemente por la nula repercusión que tuvo en el momento de su estreno (además de no ser el típico filme que suelan repetir con frecuencia en televisión). Como apunte curioso, yo la descubrí gracias a Stephen King, que hablaba maravillas de ella en una entrevista. A estas alturas, resulta arriesgado aventurarse con las recomendaciones del autor de Carrie o It, pues su nombre aparece asociado como reclamo publicitario a multitud de obras literarias y cinematográficas (de calidad más que dudosa en ocasiones), pero debo reconocer que no se equivocaba con respecto a Escalofrío. Tiene momentos perturbadores, y sólo una pega, el final anticlimático, que da una vuelta de tuerca innecesaria a la historia. Por cierto, trata de un padre viudo (Bill Paxton, que también ejerce de director) convencido de que, con la ayuda de sus hijos, debe cumplir un mandato de naturaleza divina: exterminar a los demonios que pueblan su pequeña comunidad.

El efecto dominó (David Koepp, 1996)

David Koepp, prestigioso guionista (Atrapado por su pasado, Parque Jurásico, Misión: Imposible), dirigió en 1996 esta película protagonizada por Kyle MacLachlan, Elisabeth Shue y Dermot Mulroney. Un apagón prolongado desencadena un escenario casi apocalíptico en el que un matrimonio y su hija de corta edad deben sobrevivir. Pero, a la vista de este argumento, que nadie piense que estamos ante otra muestra de cine de catástrofes al estilo Roland Emmerich (Indepence Day, 2012), El efecto dominó se inclina más hacia el drama, poniendo el foco de atención en los personajes y sus conflictos. Incluso Koepp coquetea con el género de las road-movies durante la segunda parte del metraje. Es precisamente en ese tramo final cuando la historia pierde algo de fuerza, de ahí que algunos resuman con la expresión "una buena idea desaprovechada" su consideración del filme. A pesar de ello, valorando la película de forma global, no me parece mala opción para completar la sesión continua de hoy.

Ya llegan

2011-01-27T19:54:00.004+01:00

Ya llegan.

Ya llegan en sus coches y en sus camiones, dejando atrás, en el aire puro de la noche, unas columnas de humo azul que parecen manchas en el alma. Ya llegan con sus mujeres e hijos, con sus amantes y novias, hablando de cosechas, de animales y de viajes futuros, de la campana de la iglesia y de la catequesis de los domingos, de trajes de boda y del nombre que les pondrán a los niños que aún no han nacido, de quién dijo esto y quién lo otro, cosas todas ellas insignificantes y a la vez grandiosas que constituyen el sustento de un millar de pueblecitos que no se diferencian en nada del suyo.

Ya llegan con comida y bebidas, y la boca se les hace agua con el olor a pollo frito y a tartas recién horneadas. Ya llegan con las uñas sucias y con aliento a cerveza. Ya llegan con camisas planchadas y vestidos estampados, con el pelo peinado o revuelto. Ya llegan con alegría en el corazón, con sentimientos de venganza y con una excitación que se les enrosca en las entrañas igual que si fuera una serpiente.

Ya llegan para ver cómo arde un hombre.

John Connolly, El camino blanco

[Traducción: Silvia Barbero]

Programa doble .2.

2011-01-20T12:11:00.006+01:00

The Faculty (Robert Rodriguez, 1998)

Dirigida por el tejano Robert Rodriguez, esta película no alcanzó el éxito comercial esperado, desaprovechando incluso el reclamo de contar con un guión firmado por Kevin Williamson, hombre de moda en Hollywood en el momento de su estreno gracias a Scream y Sé lo que hicisteis el último verano. The Faculty comparte con esos títulos el hecho de que la acción transcurre en un ambiente estudiantil, pero se aleja del terror para convertirse en un homenaje a los clásicos de la ciencia-ficción (La invasión de los ladrones de cuerpos, su referencia más evidente). A pesar de un desenlace previsible, merece la pena por la incorrección política que destila su argumento (los protagonistas emplean un arma singular para combatir la amenaza extraterrestre) y por algún detalle freak de Rodriguez, como la presentación de los personajes principales, al más puro estilo Sergio Leone.

Curso 1999 (Mark L. Lester, 1990)

Hablando de aulas revueltas, Curso 1999 es la otra propuesta para completar esta sesión continua. Película dirigida por Mark L. Lester y protagonizada, entre otros, por Malcom McDowell y la antigua estrella del cine blaxploitation Pam Grier. La vida académica no se ve alterada, en esta ocasión, por la presencia de alienígenas entre el profesorado, sino de criaturas cibernéticas que buscan meter en cintura a los alumnos más problemáticos. Claro que el remedio resulta peor que la enfermedad, y el conflicto entre unos y otros acaba en batalla de tintes épicos, destrucción de la escuela incluida.

La amabilidad del bisturí

2011-01-18T19:49:00.009+01:00

Creo en la amabilidad del bisturí, en la geometría sin límites de la pantalla de cine, en el universo oculto dentro de los supermercados, en la soledad del sol, en la locuacidad de los planetas, en la redundancia de nosotros mismos, en la inexistencia del universo y el aburrimiento del átomo.

Creo en la luz que arrojan las videograbadoras en las vidrieras de las grandes tiendas, en la agudeza de las parrillas de los radiadores en los salones de venta de automóviles, en la elegancia de las manchas de aceite sobre las barquillas de los motores de los 747 estacionados en las pistas de los aeropuertos.

Creo en la no existencia del pasado, en la muerte del futuro, y en las infinitas posibilidades del presente.

J. G. Ballard, En qué creo (fragmento).

[Traducción: Claudia Kozak]

[Nota: El célebre credo de Ballard, del que procede el texto, fue publicado en diversas revistas. The atrocity exhibition, libro al que hace referencia la imagen que acompaña esta entrada, no lo incluye.]

Medio siglo sin Hammett

2011-01-10T12:55:00.003+01:00

Medio siglo sin Dashiell Hammett, el inventor de la novela negra.

Calle 13 - Identificadores

2011-01-08T13:02:00.013+01:00

El canal de televisión Calle 13 se caracteriza por la originalidad de sus campañas publicitarias, siempre relacionadas con la temática de su programación: suspense, misterio y terror. Destacan sus spots (de apenas veinte segundos), casi equivalentes en imagen de los llamados cuentos hiperbreves (ese tipo de texto tan de moda últimamente en internet, entre otros motivos, gracias al auge de Twitter). Los siguientes ya tienen algún tiempo, pero creo que merece la pena volver a echarles un vistazo. Para ver más: aquí.

Metro

Vino

Maletero

La fauna de Marte

2011-01-04T11:48:00.001+01:00

Este dibujo procede de un pequeño álbum que publicaré en breve. Partí de la premisa según la cual el gesto inconsciente participa en la creación. El juego consiste en ponerme a dibujar trazos aleatorios procurando, con la mayor sinceridad, no tener objetivo alguno. Aparece entonces ante mí una especie de mancha de Rorschach: las condiciones del azar se han creado jugando con mi propia mano, incluso cerrando los ojos. A continuación, regreso a la razón y doy forma a dichos trazos. Tras unos cuantos dibujos, me vino la idea de que había creado animales fantásticos. Los sitúe en Marte, planeta que ha servido a menudo de pantalla de proyección de lo imaginario.

Moebius, XLSemanal Nº 1.210

Las mejores portadas de 2010

2011-01-03T12:34:00.012+01:00

Twentynine palms

Master of disguises

Re-reading poets

Essays from the nick of time

Maggot

Cinco de las portadas más destacadas del año 2010, escogidas de entre los libros publicados en el mercado norteamericano. Lista completa: aquí.

Historias mínimas (II)

2010-12-31T12:40:00.017+01:00

Los niños se retiran a la hora de merendar. Sus sombras permanecen en el parque un rato más, jugando hasta que muere la tarde.

Mientras las llamas de la pira consumían a los miembros del tribunal, las brujas reían a carcajadas. Empezaba una nueva era en Salem.

Era un embaucador, un charlatán, un mentiroso. Su última ocurrencia, intentar convencerme de que aún estaba vivo.

Tal perfección alcanzó el simulador de existencia global que pronto resultó innecesario seguir manteniendo la costosa realidad.

Como buen cazador, conserva a modo de trofeo la cabeza de sus piezas más ansiadas. La de su antiguo jefe, por ejemplo, preside el salón.

En el umbral del último capítulo los personajes aguardan impacientes. Aún no saben que el escritor ha muerto, que no terminará la novela.

Un bosque oscuro, silencioso y frío creció en el lugar donde el cazador enterró el corazón de la bruja.

El final de aquella historia no convencía a nadie, ni siquiera a los personajes. Seguían discutiendo una vez que el lector cerraba el libro.

Cuando el último visitante abandona la sala y las luces del museo se apagan, la enigmática mujer del retrato, fatigada, deja de sonreír.

Los fantasmas suelen frecuentar lugares de tránsito. En la vieja estación vagan por el andén, confundiéndose entre los viajeros solitarios.

[Textos hiperbreves para despedir el año. Feliz 2011.]

El mejor de todos los trabajos

2010-12-30T17:16:00.004+01:00

Pasé una semana trabajando en una tienda de juguetes, era un trabajo estupendo, podía probar todos los juguetes y luego hablaba con los niños y les explicaba cuáles eran los mejores. Se me daba bien. Vendía más juguetes que ningún otro vendedor porque a mí me gustaban, no trataba simplemente de colocárselos a los padres, intentaba que los niños se entusiasmaran con ellos, con los mejores y no sólo con los más caros. Pensé que estaría allí mucho tiempo, pero una tarde se me cayó una caja del almacén encima y me puso un ojo morado. El encargado me dijo que no podía tener a un vendedor que andaba todo el día pegándose con la gente. Yo no me había pegado con nadie, sólo había puesto mi ojo debajo de la caja del tanque teledirigido, pero el encargado se empeñó en echarme y me echó. Los encargados son el culo de los jefes, con ellos hacen siempre las labores más desagradables y sobre ellos se sientan para estar más cómodos y más altos. Un encargado tiene la capacidad de análisis de un parto de goma, así que no merece la pena cansarse explicándoles las cosas. A mí me gustaba el trabajo en la tienda de juguetes, era el mejor de todos los trabajos de mierda que he tenido.

Ray Loriga, Lo peor de todo.

Cosecha roja

2010-12-29T11:26:00.007+01:00

La lectura que me acompaña estos días es un clásico del género negro: Cosecha roja, novela de Dashiell Hammett que, publicada por primera vez en 1929, resiste el paso del tiempo sin perder fuerza. Contrabandistas, policías corruptos, combates de boxeo amañados, traiciones, venganzas... A pesar de una traducción pésima, estoy disfrutando. Puro hard-boiled.

Programa doble

2010-12-28T17:03:00.008+01:00

Propuestas para una sesión continua.

Corre Lola corre (Tom Tikwer, 1998)

Producción alemana de breve recorrido comercial en España. Primer gran éxito del realizador Tom Tikwer, con Franka Potente preparando el salto a Hollywood. Ella interpreta a Lola, una joven en plena carrera contrarreloj para salvar la vida de su novio. La mejor baza de este thriller está en el plano formal, al presentar tres versiones distintas de una misma situación, sin olvidar otros dos aspectos complementarios: el montaje y el ritmo.

Los intocables de Elliot Ness (Brian de Palma, 1987)

Sólida película del director Brian de Palma. Chicago. Época de la Ley Seca. Elliot Ness (Kevin Costner) es el hombre elegido para limpiar la ciudad. Buen guión (obra del siempre solvente David Mamet), cuidada ambientación y un reparto de altura (el mencionado Costner, Sean Connery, Andy Garcia y Robert de Niro, entre otros).

Perversiones. Breve catálogo de parafilias ilustradas

2010-12-02T11:53:00.007+01:00

Ya se encuentra a la venta esta antología de relatos eróticos publicada, dentro de su colección Vagamundos, por la Editorial Traspiés. El proyecto, en el que colaboro con un microrrelato, nació en un blog y cuenta con la participación de un buen número de autores. Mañana, en Granada (Librería Picasso, calle Obispo Hurtado 5 -19:30h), tendrá lugar la primera presentación del libro.

Juliet, desnuda, de Nick Hornby

2010-10-12T17:36:00.006+02:00

Juliet, desnuda es el último libro publicado en España de Nick Hornby, autor de Alta fidelidad y Érase una vez un padre. Anoto aquí el acertado comentario de Jorge Casanova en su reseña de la obra para el suplemento Culturas de La Voz: Hornby, perteneciente a una brillantísima generación de cronistas británicos (Welsh, Amis, McEwan...) no es el más valorado del grupo; quizás por lo bien que le ha tratado el cine, pero es sin duda el más cercano y no está exento de la profunfidad de sus coetáneos. Juliet, desnuda es un libro imposible de no recomendar, otra foto generacional, triste y sin embargo risible. La dulce mirada de Hornby, que somete a juicios sumarísimos a sus tristes personajes pero a los que siempre acaba indultando. Mejor verlo de esa manera.

[Leer el primer capítulo de la novela en PDF]

Profanando el sueño de los muertos

2010-10-05T19:15:00.004+02:00

Libro de Ángel Sala. Presentación, en Sitges 2010.

Buried (Enterrado)

2010-10-04T12:06:00.008+02:00

Lo que hace tan sólo unos años resultaba impensable (y no precisamente por falta de talento), ahora deja de causar sorpresa: ver a realizadores españoles situándose a la vanguardia del cine de género. Amenábar fue uno de los primeros en pisar terrenos que hasta entonces parecían vedados. Siguieron su estela Balagueró (Darkness) o Fresnadillo (28 semanas después), por citar dos ejemplos. Gracias al reconocimiento alcanzado por ellos, hoy en día conseguir financiación (en un mercado global), aunque difícil, ya no es un obstáculo insalvable, ni siquiera cuando hablamos de proyectos tan arriesgados como el que firma Rodrigo Cortés. En efecto, si algo no se le puede discutir al director gallego es su osadía. Tampoco la testarudez del guionista de la película, el norteamericano Chris Spalding, con un texto en el que muy pocos creían. Juntos consiguen hacer realidad la angustiosa obsesión de Poe: el enterramiento en vida. Y quien lo sufre en sus carnes no es otro que Ryan Reynolds (en un hueco entre sus recreaciones de superhéroes), armado con poco más que un móvil y un encendedor para intentar salir del atolladero. Hora y media de suspense del bueno Eso ofrece Buried. Mucho (muchísimo) para los escasos mimbres que maneja.

Palabra de Bret Easton Ellis

2010-10-02T17:26:00.002+02:00

La Voz de Galicia, dentro del suplemento Culturas, ofrece hoy una entrevista al siempre controvertido escritor norteamericano Bret Easton Ellis, quien acaba de presentar en España su nueva novela, Suites imperiales, donde recupera al personaje protagonista de Menos que cero, su primer libro (publicado en 1985 -el autor tenía entonces 21 años- y éxito inmediato). Algunas frases:

Todas mis novelas son sobre personajes que han sufrido, están basadas en el dolor, yo escribo sobre mis traumas, mi desilusión, mi soledad, mi depresión, mi dolor, no puedo hacerlo cuando me siento feliz.

***

Cuando termino un libro se produce un exorcismo, una liberación, los miedos desaparecen, me siento curado de mi rabia, es una terapia maravillosa.

***

La mayoría de los escritores tienen una sola cosa que decir y podrían hacerlo en una frase, pero en lugar de eso crean grandes escenarios, larguísimos diálogos, toda una dramatización vacía. Cuando trabajaba en Suites imperiales, que fue una fase terrible de mi vida, no quería ninguna decoración ni adorno en mi existencia, solo los hechos puros y duros, y tenía una sensación terrible de urgencia, no quería ninguna falsedad, ninguna mentira. El libro solo trata de lo que el narrador, Clay, quiere y de sus necesidades. Punto. Nada más.

Winslow/Lehane

2010-09-04T17:04:00.002+02:00

Primeros días de septiembre y, como cada año por estas fechas, jugosas novedades aterrizan con puntualidad en los escaparates de las librerías. De las primeras en llegar, dos me interesan especialmente: El invierno de Frankie Machine, novela escrita por Don Winslow (autor que saltó a la fama en 2009 con la excelente El Poder del perro), y Abrázame oscuridad, último libro de Dennis Lehane (Mystic River, Shutter Island), donde retoma las peripecias de su célebre pareja de investigadores: Patrick Kenzie y Angela Gennaro. Recomendables para quienes sean aficionados a las lecturas de crimen y misterio.

Origen, de Christopher Nolan

2010-09-02T19:03:00.003+02:00

Si algo queda claro al repasar la trayectoria del director británico Christopher Nolan es su gusto por emprender proyectos arriesgados. Lo demostró con su primer largometraje en Estados Unidos, Memento, rompecabezas hecho filme acerca de un hombre amnésico en busca de venganza contra el asesino de su esposa. Tiempo después, ya consolidado en Hollywood, Nolan aceptó otro desafío: recuperar a Batman del desgaste sufrido por el personaje a mediados de la década de los noventa. Salió airoso, y con el empuje del éxito de su última entrega sobre el oscuro defensor de la ciudad de Gotham, presenta ahora Origen (Inception), donde ofrece, como en su debut americano, un "thriller" con vocación de puzzle, esta vez en un contexto de ciencia-ficción.

En síntesis, el argumento del filme es el siguiente: Cobb (DiCaprio), prófugo de la justicia, practica una forma avanzada de espionaje industrial: mientras sus víctimas permanecen dormidas, él extrae los valiosos secretos que guardan en el subconsciente. En este oficio al margen de la ley, Cobb no tiene rival. Por eso, cierto día, recibe un encargo especial: invertir la situación. En lugar de sustraer una idea, debe implantarla. Si realiza con éxito el trabajo, logrará lo que más desea: un salvoconducto para poder regresar a su hogar evitando acabar en prisión. Pero la situación escapa a su control cuando entra en juego un fantasma del pasado.

No pocos críticos han señalado a Matrix como uno de los referentes más cercanos de Origen. Es cierto que ambas películas tienen puntos que permiten una relación, tanto desde el plano argumental (al fin y al cabo, versan sobre un grupo de personajes entre un par de mundos en conflicto) como formal (visualmente hablando, impecables las dos). Pero más allá de estas coincidencias, y de la lógica influencia de otros filmes y novelas, resulta indudable que el trabajo de Nolan posee una identidad propia y diferenciada.

El guión, firmado por el mismo realizador, constituye una de las mejores bazas del filme y es un ejemplo de acertada dosificación. Tras un comienzo pausado, la película crece a medida que avanza, alcanzando en su segunda mitad nivel de gran producción cinematográfica.

Además del libreto, otros aspectos relevantes de Origen son la notable dirección de actores, mérito una vez más de Nolan (por cierto, hablamos de un reparto nada despreciable: el mencionado DiCaprio, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy, Ellen Page y Ken Watanabe, entre otros), los efectos especiales (lógicamente, con gran importancia en la escenas que acontecen en el mundo onírico) y la música, obra del veterano compositor Hans Zimmer, que ya había colaborado con Nolan en las dos entregas de su serie sobre el personaje de Batman.

Por contra, apenas se pueden resaltar fisuras en el filme. Quizá la más importante sea cierta confusión en el desarrollo de las escenas de acción, defecto que no es nuevo, pues ya se apuntaba en El Caballero Oscuro y aquí todavía se hace más palpable.

Pese a esto último apunte, Origen merece sin duda ocupar un lugar preferente entre los estrenos de este año 2010. Si a ciencia-ficción nos referimos, y salvo muy contadas excepciones, no resulta nada sencillo hacer cine de calidad, cine que trascienda los límites del género. Pues bien, esta película lo consigue. Y Christopher Nolan coloca un ladrillo más en esa carrera de retos cumplidos que poco a poco está construyendo.

Los mercenarios, de Silvester Stallone

2010-08-24T10:39:00.011+02:00

La fantasía de cualquier chaval de los 80: Stallone, Schwarzenegger y Willis juntos en una película de acción. Claro que los tres apenas comparten una escena de Los Mercenarios (el gobernador de California ya no está para muchos trotes). En realidad, Stallone es el único de ellos que tiene un papel relevante. Completan el reparto, eso sí, otros ilustres del género: Dolph Lundgren (quizá al que más le pesa la edad), Eric Roberts (como casi siempre, ejerciendo de villano), Jet Li, Mickey Rourke (no se pierde un sarao) y el último en hacer carrera en esto de los mamporros cinematográficos: Jason Statham. Por supuesto, conscientes todos de la importancia del filme para la historia del cine. Al respecto, Stallone, que ejerce también de guionista y director, no engaña. Da justo lo que el público espera al pagar la entrada: diálogos cargados de testosterona, violencia (sobra añadir que gratuita) y el imprescindible humor de escuela de "marines". Como queda dicho, gustará a quienes hayan crecido con Rambo, Terminator y compañía. Aunque probablemente ni el más nostálgico de los espectadores se divertirá tanto como estos viejos "Boy Scouts" al rodar su particular canto del cisne.

Historias mínimas

2010-08-01T10:31:00.006+02:00

En su afán por impedir el paso a los extraños, tapió puertas, cegó ventanas. No recordó, sin embargo, blindar los espejos.

La veta blanca que teñía la barba del artesano juguetero se extendía un poco más cada vez que un niño dejaba de creer en la magia.

En la caseta de los espejos contempló fascinado las grotescas figuras que reproducían sus gestos. Vio un espejo libre. Decidió quedarse.

Durante su largo periplo Ulises se enfrentó a mil enemigos. Pero fue en Ítaca donde conoció al más feroz, al más despiadado: la rutina.

Alguien dejó por error un ejemplar de Drácula en la sección infantil de la biblioteca. Ahora el espejo ya no puede ver a Blancanieves.

Los curiosos que palpan sin prudencia el interior de la chistera del mago olvidan que a menudo los conejos no tienen otra cosa que comer.

No supo lo que era la auténtica soledad hasta que un día se asomó al espejo y descubrió que también su reflejo se había marchado.

La conoció en la biblioteca. Era hermosa, pícara, ingeniosa. Se enamoró. Pero resultó una pasión efímera. Se apagó al cerrar el libro.

Lo que la niña no sabe es que cada noche, cuando cierra los ojos, una débil luz resplandece en la buhardilla de la casa de muñecas.

Aislado en un cuarto de paredes acolchadas, sometido a terapia, a tratamiento con fármacos, el paciente por fin empieza a creerse Napoleón.

NOTA: Recupero en esta entrada algunos de mis textos favoritos de entre todos los publicados en Microficciones. Al ser concebidos para una cuenta de Twitter, ninguno de ellos supera el límite máximo de 140 caracteres que permite para sus mensajes dicha red social.

Más información sobre Microficciones:

(+) Ficciones mínimas (6/6/2009)
(+) Microficciones: punto y... (5/10/2009)

[Imagen: Rakesh Ashok]

Kick-Ass, de Matthew Vaughn

2010-07-28T16:29:00.005+02:00

Me perdí esta película en el momento de su estreno y ahora la acabo de recuperar. Pero, aun teniendo reciente su visionado, me cuesta hablar de ella. Y es que Kick-Ass, de Matthew Vaughn, es una obra difícil de clasificar: empieza como el enésimo filme norteamericano de adolescentes con las hormonas alteradas y termina con una particular vendetta al más puro estilo Quentin Tarantino en Kill Bill. Claro que, al recordar la identidad del creador del cómic en el que está basada, todo este revoltijo se comprende mejor, pues dicho autor no es otro que Mark Millar (Wanted), guionista irreverente donde los haya.

Así que absténganse de verla quienes esperen una historia de superhéroes al uso o una comedia heredera de American Pie.

En Kick-Ass hay humor gamberro, sí, y tipos enmascarados que brincan de cornisa en cornisa, pero también violencia y mala leche en dosis elevadas. Por si fuera poco, junto a un puñado de rostros poco conocidos, completa el reparto un Nicolas Cage con pinta de no tomarse demasiado en serio a sí mismo. Y quizá por ese motivo ofrece una de sus interpretaciones más convincentes de los últimos tiempos.

El lejano país de los estanques, de Lorenzo Silva

2010-07-22T12:38:00.003+02:00

El lejano país de los estanques es mi primer contacto con la serie de novelas protagonizadas por los miembros de la Guardia Civil Bevilacqua y Chamorro. También se trata del libro que inicia la saga, publicado en 1998, y que le valió a su autor, Lorenzo Silva, el Premio Ojo Crítico correspondiente a ese año.

La trama gira alrededor del asesinato de una joven austriaca en tierras mallorquinas, crimen que los agentes protagonistas deben resolver trabajando de incógnito.

Silva traslada patrones propios del género negro clásico a la España del gazpacho y la tortilla (y sale bien parado, algo nada sencillo), dota a la novela de un ritmo ágil (lo que unido a sus pocas páginas hace que pueda concluirse en apenas un par de sentadas) y adorna la narración con algunas pinceladas de humor (siempre en boca del desencantado Bevilacqua, personaje que propone algunas reflexiones de antología). Quizá el único “pero” achacable a la obra sea cierta previsibilidad en su desenlace. Pese a ello, resulta muy recomendable, y más durante estos días de lecturas ligeras entre chapuzón y chapuzón en el mar o la piscina.

Lecturas para un domingo (en clave negra)

2010-07-18T10:26:00.002+02:00

Novela
Título: El cartero siempre llama dos veces
Autor: James M. Cain
Editorial: RBA Libros
Colección: Serie negra
144 págs - 15 €

La fama de las dos versiones cinematográficas de esta extraordinaria novela, clásico entre los clásicos de la film noir, quizás haya podido ocultar la maestría de James M. Cain. Pero ni la película de culto filmada en los años 40 por Tay Garnett ni la rodada en 1981 de Rob Rafelson -protagonizadas por Jack Nicholson y Jessica Lange-, como tampoco la libre adaptación que de ella hizo Visconti en "Obsesión", logran superar tensión y el impacto que causa en el lector la lectura de la obra que Cain publicó en 1934. Hoy sigue siendo una de las cumbres espeluznantes del género negro. El argumento convoca pasiones desbordantes, codicia compulsiva, mentira ilimitada y un destino infranqueable, el material con el que James M. Cain ha pervivido como uno de los referentes de una literatura que resiste como pocas el paso del tiempo. Frank Chambers, un trotamundos sin empleo, narra en primera persona la atracción que siente por Cora Papadakis, la esposa de un emigrante de origen griego propietario de una taberna en California, y cómo se vuelven amantes unidos por el ardor y la ambición. Pero no será tan fácil librarse del viejo marido. Y habrá que contar, además, con el inescrutable destino: ese cartero que siempre llama dos veces.

Cómic
Título: Asquerosamente rica
Autores: Azzarello/Santos
Editorial: Panini
Colección: Panini Noir
200 págs - 19,95 €

¡Nueva línea editorial, especialmente recomendada para lectores adultos! El género negro irrumpe en Panini de la mano de los mejores autores del medio Brian Azzarello (100 Balas, Joker) y Víctor Santos (Pulp Heroes) presentan a Richard "Junk" Junkin, alguien que ha tomado siempre las decisiones equivocadas. Su corta carrera de estrella del fútbol fue truncada a causa de un accidente (y de algunos problemas con la mafia). Ahora, vive vendiendo coches y soñando con lo que nunca fue… La apuesta se eleva a infinito cuando Junk recibe el encargo de proteger a Victoria, la ardiente y millonaria hija de su jefe.

El poder de las tinieblas, de John Connolly

2010-07-16T18:00:00.002+02:00

En la reseña de Todo lo que muere, publicada en este blog hace tan sólo unos meses, comentaba las muchas ganas que me había dejado ese libro de leer algo más del escritor irlandés John Connolly, así como también confesaba mi debilidad por el protagonista de sus novelas, ese torturado ex policía con nombre de maestro del jazz: Charlie Parker, alias "Bird".

Afrontaba, pues, la lectura de El poder de las tinieblas (libre traducción del título original: Dark Hollow), segundo libro por orden cronológico de la serie, con grandes expectativas, que no se han visto defraudadas.

La acción de esta novela se sitúa algún tiempo después de los acontecimientos de la primera entrega, con Parker instalado ya en el estado de Maine tras dejar atrás la ciudad de Nueva York y los terribles sucesos allí acontecidos (asesinato de su mujer y de su hija). Pero los problemas parecen perseguirle. Y la desaparición de un conflictivo lugareño (con el que "Bird" había tenido un enfrentamiento) le obliga de nuevo a pasar a la acción.

¿Qué diferencias presenta El poder de las tinieblas con respecto a Todo lo que muere? En primer lugar, como queda dicho, el escenario. De la gran urbe pasamos a la América rural, a los bosques del noreste del país, entorno apropiado para el componente fantástico de la trama, seña de identidad de la saga.

Por otro lado, desde el punto de vista de la estructura, hay un único hilo alrededor del cual se articula toda la historia, por lo que la lectura de libro resulta más fluida que en la primera entrega (casi dos novelas en una).

Destaca también una mayor contención en cuanto al nivel de sangre derramada a lo largo de los capítulos, logro no demasiado difícil, pues el color rojo teñía prácticamente cada página de Todo lo que muere.

Lo que no varía un ápice son los giros argumentales, que contribuyen a mantener alta la tensión hasta el final del libro. Antes de alcanzar ese desenlace sorprendente, y hablando ya de los personajes, crece el protagonismo de los dos "escuderos" de Parker: Angel y Louis, que (como siempre) le sacan de más de un atolladero y sin cuya intervención la resolución del caso nunca se hubiera dado.

En definitiva, obra redonda, imprescindible para aficionados al género negro con toques sobrenaturales. Perfil asesino, tercera entrega de la serie, aguarda ya entre mis próximas lecturas.

(+) Todo lo que muere.

Viñetas desde o Atlántico 2010

2010-07-13T17:08:00.004+02:00

Viñetas desde o Atlántico 2010 calienta motores. Ya se conoce el programa que convertirá, como cada verano, a la ciudad de A Coruña en el epicentro del mundo del cómic. En esta ocasión, el festival (que alcanza este año su decimotercera edición), entre otras actividades, rinde tributo al artista norteamericano Will Eisner (1917-2005), creador de The Spirit y uno de los historietistas más influyentes del siglo XX. Información detallada, en la recién estrenada página web oficial del evento.

Apocalipsis Z. Los días oscuros, de Manel Loureiro

2010-07-05T17:44:00.009+02:00

Segunda entrega de las peripecias del sufrido abogado pontevedrés en una España dominada por legiones de cadáveres andantes. Como no podía ser de otra forma, la historia arranca justo en el punto donde concluyó la anterior, con el anónimo protagonista a la cabeza de un exiguo y variopinto grupo de supervivientes en su huída en helicóptero desde Vigo hasta las Islas Canarias, uno de los pocos lugares de Europa (quizá del mundo) donde la civilización aún parece resisitir. Tras superar con éxito numerosas vicisitudes, el equipo logra alcanzar por fin el archipiélago, sólo para comprobar que la realidad del lugar es muy diferente a lo que ellos aguardaban.

Manel Loureiro se mantiene fiel a la receta que le catapultó al éxito con su anterior novela (recordemos, concebida originalmente para su publicación por entregas en un blog) y ofrece a los incondicionales del género zombi otra buena dosis de acción sin tregua. Y es que imprimir un ritmo vertiginoso a los acontecimientos se ha convertido ya en toda una seña de identidad del autor. Sin embargo, pese a este apego a los ingredientes que convirtieron a Apocalipsis Z en un "superventas", también encontramos en Los días oscuros algunas novedades. La más importante es que por primera vez en el desarrollo de la historia el foco de atención se traslada, durante determinados capítulos, a personajes distintos del principal, abandonando así el estilo "diario personal" tan característico del primer libro. Se trata de un recurso no carente de riesgo, que en este caso Loureiro resuelve satisfactoriamente gracias a cerrar dichos episodios con oportunos cliffhangers. La otra novedad es una cuestión de fondo. Mientras que en la primera parte asistíamos al desmoronamiento de la civilización, ahora somos testigos del intento de reconstrucción de la misma. Es decir, avanzamos una fase más en todo argumento de tono apocalíptico. Y esa construcción de las bases que regiran el nuevo mundo sirve de excusa para dejar alguna que otra pincelada humorística (y más o menos crítica), especialmente interesante en todo aquello que guarda relación con la política y forma de gobierno de esa incipiente sociedad.

En cuanto a los aspectos negativos, y relacionada en cierta manera con lo apuntado al comienzo del párrafo anterior (tal vez como contrapartida del mismo), hay que señalar la sensación de déjà vu que trasmiten varias partes de la trama. En un momento dado, el propio protagonista afirma que le parece estar viviendo en una suerte de bucle. Así, por poner un ejemplo, si buena parte de la acción de la primera novela tenía lugar en un conocido hospital vigués, ahora más de lo mismo, pero en un popular centro sanitario madrileño.

Con todo, no debe obviarse el hecho de que estamos ante una novela cuyo propósito principal es entretener. Y ese objetivo lo cumple con creces.

(+) Apocalipsis Z.

Bedhead, de Robert Rodriguez

2010-05-30T17:51:00.004+02:00

Mientras tomaba clases de arte para intentar elevar mi promedio, me presenté para una plaza de dibujante de historietas en The Daily Texan, el periódico de nuestra facultad. Obtuve el puesto y lancé “Los Hooligans”, una historieta diaria basada en Maricarmen, la menor de mis hermanas. Tuvo éxito y me permitió ejercitar mi creatividad. Al mismo tiempo continué realizando videofilmes caseros, y un par de ellos -David and his Sisters y Waterlogged, ambos protagonizados por mis hermanos- ganaron algunos concursos. Hice asimismo Austin Stories, una trilogía de cortometrajes rodados en vídeo y protagonizados también por mis hermanos, y participé en el Tercer Festival Nacional de Cine y Vídeo de la Costa, con sede en Austin. Gané el primer premio, superando a filmes realizados en el Departamento de Cine de la UT-Austin. Le llevé mi videofilme a Steve Mims, el profesor de Producción I, y le pregunté si me aceptaría en su clase en vista de que, pese a mi promedio de calificaciones académicas, había superado a sus alumnos sin haber recibido aún ni siquiera una clase. Tras visionar mi película, me admitió.

Desde antes de empezar el curso sabía que aquélla era mi gran oportunidad para rodar en 16 mm y realizar un filme con posibilidades de ganar un premio que me otorgara cierto reconocimiento. Los videofilmes, aunque fueran buenos, me limitaban, ya que en aquella época la mayoría de los festivales sólo admitían filmes rodados en soporte cinematográfico. En el departamento dispondría gratuitamente de equipo de 16 mm y podría realizar una gran película con muy poco dinero. Una vez más repartí los personajes entre mis hermanos menores, ensayé minuciosamente las escenas, e incluso rodé primero una versión en vídeo, la monté y organicé un pase con los chicos para que todos tuviésemos una idea más clara de lo que había que hacer.

Rodé la película volcando en ella cuantas ideas y trucos de cámara se me ocurrieron, y así nació Bedhead, de ocho minutos de duración. Con ella logré varios primeros puestos en los catorce concursos cinematográficos a los que la presenté. En un buen número de festivales estaban empezando a admitir videocintas, de modo que, aunque la había rodado en 16 mm, la pase a vídeo y la monté en ese soporte. Envíe copias VHS a los festivales y las cintas fueron tratadas como filmes, dado que habían sido rodadas en película. Esto me facilitó un modo sumamente económico de realizar filmes y obtener prestigio en los festivales de cine sin el enorme coste que supone hacer copias.

Bedhead duraba ocho minutos y me costó unos 800 dólares. Había escrito el guión teniendo en cuenta los elementos de producción de que disponía: la casa de mis padres, mis hermanos, y la bicicleta y el monopatín de dos de ellos. Todos aparecen de forma destacada en mi película, que contiene una considerable dosis de creatividad y en la que utilicé técnicas de narración ultrarrápida que había aprendido gracias a todos aquellos breves videofilmes caseros realizados en el curso de los años. Toda esa experiencia, más la que había adquirido durante años dibujando mi historieta diaria, contribuyeron a que la película resultase tal como es.

Robert Rodriguez, Rebelde sin pasta

Bum-Bum

2010-04-16T12:18:00.002+02:00

Vietnam, te amo desde hace tiempo. Día y noche, desde hace mucho tiempo. "Delta Uno-Nueve, aquí patrulla Alfa. Estamos en la ladera nordeste de la colina Siete-Cero-Cinco bajo el fuego, repito, bajo el fuego. Necesitamos ayuda aérea inmediata en esta jodida zona. Respondan".

Estática radiofónica.

"Repito, aquí patrulla Alfa bajo el fuego. Necesitamos ayuda aérea inmediata. ¿Me reciben? Estamos bajo el fuego. Respondan, por favor. Estamos... ¡Ahí vienen, ahí vienen!"

Bum.

"¡... Médica!"

Lanzando ácido sobre el delta del Mekong, fumando hierba por el cañón de un fusil, volando en un helicóptero que vomita ópera por los altavoces, balas trazadoras y el paisaje de un arrozal, el olor del napalm por la mañana.

Desde hace mucho tiempo.

Sí, aunque camine por el valle de la muerte, a nada temeré, porque me llamo Richard. Nací en 1974.

Alex Garland, La playa.

Parecido razonable

2010-04-08T19:28:00.012+02:00

El otro día, mientras buscaba en Google información sobre Descansa en Paz -nuevo libro del escritor sueco John Ajvide Lindqvist-, tropecé con la siguiente portada:

Como se puede apreciar, corresponde a una edición norteamericana de su opera prima, la exitosa novela de vampiros Déjame entrar. El caso es que al reparar en ella no pude evitar acordarme del cartel de El día de la Bestia, la película que catapultó la carrera del director bilbaíno Álex de la Iglesia allá por la mitad de la década de los noventa.

Curioso parecido. Juzguen ustedes.

Las mejores portadas de 2009

2010-03-30T18:02:00.009+02:00

De entre los libros publicados cada año en Estados Unidos, el blog The Book Design Review escoge las mejores portadas. Algunas de las seleccionadas en 2009:

The double life is twice of good (Diseño: Rex Bonomelli)

The Great Perhaps (Diseño: Jamie Keenan)

Perforated Heart (Diseño: Jason Heuer)

Cheers! A history of beer in Canada (Diseño: David Gee)

Valkyrie (Diseño: Jason Booher)

Lista completa: aquí.

Todo lo que muere, de John Connolly

2010-02-12T21:21:00.000+01:00

Descubro tarde a John Connolly. A fecha de la presente reseña, este escritor nacido en Dublín a finales de los 60 tiene ya casi una decena de novelas publicadas en España (la última, este mismo mes); ocho de ellas protagonizadas por el ex policía, convertido en detective privado, Charles "Bird" Parker. En Todo lo que muere, primer libro de la serie, Parker sigue la pista del responsable de los brutales asesinatos de su mujer y su hija, un escurridizo criminal conocido como el Viajante, individuo cuya macabra sofisticación a la hora de disponer los cuerpos de sus víctimas deja a la altura del betún a la del psicópata antagonista de Morgan Freeman y Brad Pitt en la película Seven.

La opera prima de Connolly combina elementos de la novela negra y el terror (no en vano, fue nominada al Premio Stoker en la categoría de mejor debut literario), coqueteando incluso con la vertiente sobrenatural de este último género, y destaca por su ritmo vertiginoso y por una acertada construcción de personajes (tanto el atormentado "Bird" como sus dos "compinches" -Ángel y Louis- merecen ser destacados al respecto). Mientras que quizá su mayor defecto sea cierta confusión a nivel de estructura de la trama, especialmente en los primeros compases de la novela. Sin embargo, cuando la acción cambia de escenario y se desplaza desde Nueva York hasta el área de Nueva Orleans, escenario idóneo para el sórdido argumento propuesto, esa ligera sensación de caos desaparece y Todo lo que muere, como queda dicho, no concede ya un sólo instante de tregua hasta su sorprendente, que no tramposo, final.

Al llegar a ese desenlace, y tal vez éste es el mejor piropo que a una novela se le puede dedicar, el lector se queda con ganas de seguir explorando el oscuro universo creado por el autor irlandés. Así pues, no creo que tarde demasiado en incorporar un nuevo título a mi biblioteca: El poder de las tinieblas, segunda novela, cronológicamente hablando, sobre Charlie Parker; aunque conviene apuntar que los libros que integran la serie son autoconclusivos y no resulta necesario, por tanto, leerlos respetando un orden determinado.

Añadir, para terminar, que pese al innegable potencial cinematográfico de este material, nadie ha dado aún el paso de trasladarlo a la gran pantalla. Curiosamente, la única adaptación hasta la fecha de un texto de Connolly corre a cargo de un director español: Luis Berdejo (guionista de Rec). The new daugther, que así se llama la película (inspirada en una historia corta homónima), cuenta con el mexicano Guillermo del Toro en tareas de producción y está protagonizada por el veterano actor Kevin Costner. El reparto incluye también a la niña de El laberinto del fauno, Ivana Baquero, en un papel destacado.

J.D. Salinger (1919-2010)

2010-01-28T20:14:00.007+01:00

Noticia: aquí.

(+) Salinger y El guardián entre el centeno (3-1-2009)

Fiebre zombi

2010-01-23T18:53:00.013+01:00

El abogado y escritor pontevedrés Manel Loureiro es uno de los principales responsables de la moda por los muertos vivientes que nos sacude desde hace algún tiempo. Recién publicada (por Plaza & Janés) la segunda parte de su exitosa novela Apocalipsis Z (Dolmen, 2008), protagoniza hoy el suplemento Culturas del diario regional La Voz de Galicia. Un extracto del encuentro entre el autor y el periodista Juan Gómez-Jurado:

Le pregunto a Manel por lo que siente, y me dice que está sobrecargado de información. Intenta cambiar de tema, pero me reconoce a regañadientes que el motivo del éxito de sus novelas trasciende los parámetros del género. "Hace cuatro o cinco años Plaza & Janés ni siquiera se hubiera planteado sacar una novela de zombis escrita por un español, ambientada en España y con protagonistas españoles. Tal vez una editorial menor, pero desde luego no una generalista. Eso es en parte por la situación socioeconómica. Los muertos vivientes han sido metáfora de muchas cosas, pero en un año de crisis salvaje, con casi cinco millones de parados y un futuro muy negro, las comparaciones son aún más sencillas".

En efecto, la revista Time declaraba en su número de diciembre al zombi como "el monstruo oficial de la crisis". Hasta ahora se consideraban las películas de no muertos como una crítica salvaje al consumismo occidental: una legión de cadáveres descerebrados, que tienen como objetivo alimentarse; un grupo reducido de supervivientes, que para no ser comidos tienen que aniquilar a los infectados y a sus propios compañeros; una situación sin final feliz... la vida misma.

Si en tiempos de bonanza el mensaje era una clara denuncia de las diferencias entre el primer y el Tercer Mundo, ahora es un reflejo de nuestra propia realidad. No en vano una de las escenas cumbre de la saga tiene lugar en la Citroën de Vigo, escenario de una matanza descarnada y una obra maestra de la literatura de acción.*

La fiebre zombi en cuatro apuntes:

Resulta casi imposible hacer un listado de todas las obras aparecidas en fechas recientes dentro de este subgénero, pero por citar tres autores representativos: Max Brooks (hijo del cineasta Mel Brooks y la actriz Anne Bancroft), que firma Zombi. Guía de supervivencia y Guerra Mundial Z; David Wellington, responsable de la triología formada por Zombie Island, Zombie Nation y Zombie Planet; y Seth Grahame-Smith, quien propone una revisión en clave George A. Romero de un clásico de la literatura inglesa: Orgullo y prejuicio y Zombis. Para este 2010 también se anuncia la publicación en España de El alzamiento (Brian Keene), novela que ya ha recibido el aplauso de los aficionados anglosajones al mundo Z.

Resaltar igualmente las aportaciones de otros escritores españoles como Víctor Conde (Naturaleza muerta) y Carlos Sisí (Los caminantes), sin olvidar un par de obras de no ficción: Cine Zombi (Ángel Gómez Rivero) y Zombie Evolution (José Manuel Serrano Cueto).

En cuanto al mundo del cómic, conviene apuntar que la editorial Planeta esta a punto de retomar (lo hará en febrero) la interesante serie Los muertos vivientes, guionizada por Robert Kirkman, cuyo principal atractivo reside en poner el foco en los supervivientes de un apocalipsis zombi y sus conflictos más que en la casquería habitual de este tipo de productos. También parece cercana, aunque todavía sin fecha de salida a la venta, la publicación del tebeo basado en la obra del propio Loureiro. Editará Dolmen, dentro de su decidida apuesta por la temática.

El cine y la televisión no permanecen ajenos a este fenómeno. Los éxitos cosechados por la película Zombieland (parodia dirigida por Ruben Fleisher) y la serie británica Dead Set, emitida en España por Cuatro, así lo demuestran.

*Fuente: Culturas. Nº 349. Sábado, 23 de enero del 2010. Págs 2 y 3.

[Imagen: Pin-Up para Apocalipsis Z]

Microrrelato publicado

2010-01-07T07:58:00.001+01:00

Olvidé mencionar la publicación de este cuento en su momento. Aprovecho ahora para hacerlo. Mudanza, microrrelato inédito de mi cosecha, puede leerse en Breves no tan breves, blog dedicado a los textos literarios de extensión no superior a 1.000 palabras. Enlace: aquí.

Avance: Robin Hood

2010-01-07T07:56:00.002+01:00

Enésima versión fílmica de las aventuras del legendario héroe, al que esta vez pone rostro el camaleónico actor australiano Russell Crowe. Le acompaña un reparto experimentado: Cate Blanchett, Vanessa Redgrave, Mark Strong, William Hurt y el gran Max von Sydow. Dirige Ridley Scott. Fecha de estreno: Mayo de 2010. Trailer y más información: aquí.

Dilema

2010-01-07T07:52:00.001+01:00

Una noche estaba sentado en la cama de la habitación de mi pensión de Bunker Hill, justo en el centro de Los Ángeles. Era una noche importante de mi vida porque tenía que tomar una decisión con respecto a la pensión. O pagaba o me tenía que ir: era la que decía la nota, que la casera había deslizado por debajo de la puerta. Un problema tremendo, que merecía toda mi atención. Lo resolví apagando la luz y metiéndome en la cama.

John Fante, Pregúntale al polvo.

Breve repaso al cine de 2009

2009-12-30T18:01:00.007+01:00

Al igual que en años anteriores, aprovecho estos días finales de diciembre para hacer un breve balance de las películas vistas en los últimos doce meses. 2009 no ha sido para mí un año demasiado propicio en lo que a tiempo libre se refiere, y prueba de ello es el escaso número de reseñas cinematográficas publicadas en el blog desde comienzos de la primavera pasada hasta la fecha. Pese a todo, el número total de filmes visionados es similar al del anterior: 32, los más significativos, por unas causas u otras, integran el siguiente cuadro.

Lo mejor: Clint Eastwood. A la friolera de 79 años, esta leyenda viva de Hollywood sigue en plena forma. Un estreno en las postrimerías de 2008 (El intercambio), y a los pocos meses, nuevo obsequio a su legión de seguidores: Gran Torino, por méritos própios una de las mejores producciones del año que ahora termina, con el propio Eastwood ejerciendo de héroe crepuscular. Un guión en apariencia sencillo sirve al veterano realizador para reflejar los profundos cambios sufridos en épocas recientes por una parte de la sociedad norteamericana, y lo hace apoyado en un personaje que casi resulta una síntesis de otros muchos interpretados por él en su dilatada trayectoria (incluido el célebre inspector Harry Callahan).

También merecidas alabanzas para Déjame entrar, película sueca dirigida por Tomas Alfredson y que ya fue objeto en su día de una extensa crítica en este blog. A dicha crítica me remito para recomendar una vez más la que es, quizá, la mejor historia de vampiros vista en la gran pantalla en años.

Destacar del mismo modo, y ya para completar este apartado de honor, dos obras justamente premiadas en los últimos meses: The Wrestler (renacimiento de Mickey Rourke de la mano del siempre interesante Darren Aronofsky) y Slumdog Millionaire (otra resurreción, en este caso del director británico Danny Boyle, perdido para la causa prácticamente desde su excelente debut con Trainspotting).

La sorpresa: Watchmen, de Zack Snyder, y (500) días juntos, de Marc Webb, comparten la etiqueta de revelación en este particular ranking, aunque por diferentes motivos. La primera de ellas, adaptación de la novela gráfica homónima y dirigida por un realizador experimentado en tales lides: Zack Snyder (300), porque la magnitud y complejidad de la historia creada por Alan Moore no hacían presagiar nada bueno en su traslado al cine. Sin embargo, aunque lejos de la épica de las viñetas, el resultado final no es en absoluto desdeñable, más bien al contrario, estamos ante una muy digna adaptación del cómic protagonizado por Roscharch y compañía. La segunda, (500) días juntos, obtiene este reconocimiento por su frescura, tanto desde el punto de vista formal como a nivel de guión. Reseñas de una y otra: aquí y aquí.

Mención especial, dentro de esta categoría, para Distrito 9. Resulta muy difícil conseguir una película de ciencia-ficción entretenida a estas alturas, y el filme dirigido por el neozelandés Neill Blomkamp (con Peter Jackson en tareas de producción) cumple con creces la labor de distraer, además de aportar algunas dosis de originalidad al género.

La decepción: Cuarentena, Rec 2, S. Darko... Como casi siempre, secuelas y remakes obtienen las peores calificaciones del año. No obstante, si hablamos estrictamente de alcanzar determinadas expectativas, debo hacer mención a Malditos bastardos, la última propuesta de uno de mis directores favoritos: Quentin Tarantino. Ojo, con esto no estoy diciendo que sea una mala película. Al contrario, se trata de un filme con indudables virtudes que glosar (y disfrutable para todos los aficionados al cine del de Tennessee). Sin embargo, analizándolo desde una perspectiva que comprenda la totalidad de la carrera del autor, me parece un peldaño por debajo de piezas inmediatamente precedentes, y a una distancia mayor de, para mí, sus dos obras más redondas: Reservoir Dogs y Pulp Fiction.

Lista completa de títulos (sin orden en particular y con enlaces a las críticas correspondientes):

Watchmen (Zack Snyder)
Distrito 9 (Neill Blomkamp)
Transporter 3 (Olivier Megaton)
Gran Torino (Clint Eastwood)
Señales del futuro (Alex Proyas)
Presencias extrañas (Charles y Thomas Ward)
Che: Guerrilla (Steven Soderbergh)
Déjame entrar (Tomas Alfredson)
Ong Bak 2 (Tony Jaa/Panna Rittikrai)
Orígenes X-Men: Lobezno (Gavin Hood)
Terminator Salvation (McG)
La última casa a la izquierda (Dennnis Lliaidis)
Asalto al tren Pelham 123 (Tony Scott)
El luchador -The Wrestler- (Darren Aronofsky)
La semilla del mal (David S. Goyer)
Fast and Furious -A todo gas 4- (Justin Lin)
Exorcismo en Connecticut (Peter Cornwell)
El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher)
Enemigos Públicos (Michael Mann)
S. Darko (Chris Fisher)
Los sustitutos (Jonathan Mostow)
Obsesionada (Steve Shill)
Slumdog Millonaire (Danny Boyle)
(500) días juntos (Marc Webb)
Resacón en Las Vegas (Todd Phillips)
Push (Paul McGuigan)
Arrastrame al infierno (Sam Raimi)
Malditos bastardos (Quentin Tarantino)
Infectados -Carriers- (Álex y David Pastor)
The Box (Richard Kelly)
Cuarentena (John-Erick Dowle)
Resistencia (Edward Zwick)

Y con este resumen concluye un año más de blog. La próxima actuliazación será ya tras las fiestas navideñas. Feliz entrada de 2010.

(+) Breve repaso al cine de 2008

Manual del contorsionista, de Craig Clevenger

2009-12-22T17:59:00.007+01:00

Confieso que ya había perdido la esperanza de ver esta novela traducida al castellano. Nada menos que casi ocho años han pasado desde que el escritor estadounidense Craig Clevenger (Dallas, 1964) debutó en el mundo literario con The Contortionist's Handbook (título inspirador, por cierto, del nombre de este blog). Considerado por muchos como un renovador del género negro, Clevenger bebe de autores como Jim Thompson, James M. Cain, Edgar Allan Poe, Richard Matheson, James Ellroy o Will Christopher Baer. Manual del contorsionista cuenta la historia de John Dolan Vincent, un brillante falsificador que se reinventa continuamente para eludir a las autoridades y evitar así pasar el resto de sus días en prisión. Se puede consultar una sinopsis más detallada de la obra en la página web de la editorial Alpha Decay. Recomiendo también echar un vistazo a la reseña del libro publicada recientemente en ABC.es

Paul Naschy (1934-2009)

2009-12-01T17:48:00.007+01:00

A punto de estrenarse su última película, La herencia Valdemar, ha muerto Paul Naschy, uno de los grandes iconos del cine fantástico español. Tenía 75 años y llevaba algún tiempo aquejado de graves problemas de salud. Descanse en paz.

[Imagen: Scifiworld.es]

Celda 211, de Francisco Pérez Gandul

2009-12-01T12:09:00.006+01:00

En vista del éxito (¿inesperado?) de la película Celda 211, la editorial Lengua de Trapo aprovecha para reeditar el texto que sirve de base al filme dirigido por Daniel Monzón, filme que ha puesto de nuevo en el candelero al actor gallego Luis Tosar (que desafía con su mirada al lector desde la portada del libro, por cierto) gracias a su excelente interpretación del pendenciero recluso "Malamadre". El argumento de este thriller carcelario (auténtica rareza en el panorama literario español) es de sobra conocido por la reciente promoción de la obra cinematográfica (actualmente en cartel): "La mala suerte lleva a un funcionario de prisiones novato a presentarse en la cárcel de Sevilla el mismo día en que se produce un motín de presos. Enredado en un destino tan caprichoso como trágico, que lo obliga a utilizar al máximo los recursos de su inteligencia, este hombre va descubriendo que no es tímido, que no es débil, que quizá ni siquiera es un hombre bueno, como siempre había creído: es un superviviente nato al borde del abismo". Contundente, intensa y vertiginosa novela (el ritmo vivo de la acción hace olvidar cierta inverosimilitud de algunos tipos y situaciones), interesante incluso para quienes hayan visto ya su adaptación a la gran pantalla.

(500) días juntos, de Marc Webb

2009-11-27T11:38:00.014+01:00

El escritor británico Nick Hornby, autor de novelas tan recomendables como Alta fidelidad (adaptada al cine con apreciable rigor por Stephen Frears en el año 2000) o Érase una vez un padre (también trasladada a la gran pantalla, en esta ocasión por los hermanos Weitz -año 2002-) podría haber firmado el guión de esta comedia, aderezada con oportunos momentos melancólicos, en la que la música juega cierto papel relevante. (500) días juntos es, como el propio narrador desvela en la secuencia inicial, una historia diferente sobre el tópico "chico conoce chica". Y es que la propuesta del realizador debutante Marc Webb está lejos del tratamiento almibarado tan habitual en Hollywood sobre el tema. Además de por su acentuado aire nostálgico, el filme destaca por su estructura, con saltos continuos (casi a modo de sketches) a lo largo del periodo de tiempo al que hace referencia el título. Sobresale también el interesante juego de deformar la realidad al exteriorizar los sentimientos del protagonista, encarnado por Joseph Gordon-Levitt (visto recientemente en G.I. Joe). Mención final para su compañera de reparto: Zooey Deschanel, una actriz en alza.

Próximamente: Más cuentos para sonreír

2009-10-05T18:08:00.003+02:00

Como contrapunto a la entrada anterior, una buena noticia: por tercera ocasión consecutiva uno de mis relatos hiperbreves (precisamente uno de los nacidos gracias a Microficciones) verá la luz en una antología de la editorial andaluza Hipálage. Será en el compendio Más cuentos para sonreír. Dicho libro recopila los textos ganadores y seleccionados (304 cuentos de 906 presentados) en el II Premio Algazara de Microrrelatos, fallado el pasado 30 de septiembre. Muy pronto el volumen estará disponible en librerías de toda España. También se podrá adquirir, como siempre, solicitándolo a la propia editorial.

Ficha del libro:

Título: Más cuentos para sonreír

Autor: Varios autores

Precio (IVA incluido): 20 euros

Páginas: 320

Edición: Rústica, 21,5x15 cm.

ISBN: 978-84-96919-22-8

Microficciones: punto y...

2009-10-05T17:46:00.003+02:00

La realidad, siempre terca, parece empeñada en frustrar mis intenciones. Pensaba continuar actualizando la página de Twitter de forma indefinida, pero la cercanía del examen de oposición cuya preparación me lleva ocupando desde hace aproximadamente una año (principal motivo, como ya señalé en alguna que otra entrada anterior, de la casi paralización de este blog) lo hace inviable. Una lástima, pues la experiencia de crear regularmente cuentos de una o dos líneas me atraía mucho. Las circunstancias, sin embargo, son implacables. En fin, espero, al menos, que no sea el final de Microficciones, sino tan sólo un punto y aparte.

(+) Ficciones mínimas (6/6/2009)

La carretera, de Cormac McCarthy

2009-09-05T18:58:00.001+02:00

Hambre. Frío. Soledad. Un mundo devastado, inhóspito, donde llueve ceniza y reinan el silencio y la oscuridad. El escritor norteamericano Cormac McCarthy (autor, entre otras obras, de Todos los hermosos caballos y No es país para viejos) obtuvo con esta novela de corta extensión (209 páginas) el prestigioso premio Pulitzer -en la categoría de ficción- del año 2007.

Ambientada en este escenario postapocalíptico (resultado, quizá, de una guerra nuclear), La carretera cuenta la terrible peregrinación hacia el mar de un padre y su único hijo. Y pese a que en el libro hay vestigios de otros argumentos similares, tanto fílmicos como literarios, la manera de narrar de McCarthy dota a la historia de oportunos rasgos diferenciales. La contención destaca sobremanera. Hasta los diálogos se reducen a la mínima expresión. Esta carencia de artificios o concesiones a la galería tal vez explica porqué algunos consideran que a lo largo de sus páginas no sucede nada, que la acción brilla por su ausencia. No es mi caso, pues la novela me resultó tan entretenida como dura y conmovedora. En fin, una de las mejores lecturas que he podido disfrutar en este verano. Y sólo lamento que por las cuestiones apuntadas en entradas precedentes únicamente pueda dedicarle esta casi telegráfica reseña.

NOTA POST ESCRIPTUM: El actor Viggo Mortensen protagoniza la película basada en este libro, dirigida por John Hillcoat. Se estrenará en fechas próximas.

Avance: Carriers (Infectados)

2009-08-30T11:01:00.009+02:00

"Habíamos mandado el guión a muchas productoras españolas, pero tardaron tanto en contestar que, cuando lo hicieron, ya habíamos firmado con los americanos", recuerda, desde Nueva York, David Pastor. "El problema en España es que se presta poca atención a la gente nueva, las productoras no están viendo cortos para saber qué se cuece, y en Estados Unidos los cazatalentos están muy profesionalizados", argumenta Álex Pastor.

Su corto La ruta natural ganó en Sundance la competición a mejor corto internacional en 2006, mientras en España llamaba a productoras que ni siquiera sabían que había sido también nominado a los Goya. Así que en Nueva York -que no todo va a ser la costa oeste de Estados Unidos- los Pastor instalaron su campamento base y empezaron a aprender algunas de las máximas que todo novato extranjero debe saber para lidiar con la todopoderosa industria del entretenimiento.

"Lo más necesario para un director que trabaja en Estados Unidos es la diplomacia. Saber conseguir lo que quieres de forma que el estudio piense que ellos han tenido la idea y que están consiguiendo lo que quieren de la manera que les propones", argumenta David. También serán necesarias buenas dosis de persuasión y, llegado el caso, tragar saliva y ceder. "Al final ellos son los que pagan la película y los que tienen el final cut. A no ser que seas Scorsese, olvídate de tener la decisión final sobre el montaje", advierten los hermanos. Pasa incluso en una película de presupuesto bajo para la media estadounidense. Infectados costó nueve millones de dólares, que "es lo que se gastan en el catering de Transformers", bromea David.

Así que el final oscuro que los Pastor habían ideado para su ópera prima, se quedó rodado y guardadito en una lata que no saldrá de Paramount Vantage, si no es para la edición de un DVD. "No nos salimos con la nuestra, el final polarizaba mucho a la gente del estudio y ellos no quieren arriesgar tanto", lamentan unos directores que representan un caso atípico entre la mayoría de estos españoles de la diáspora: Infectados es un guión propio y no el encargo con el que a Hollywood le gusta poner a prueba a los novatos.

Pero los Pastor salvan los muebles. Su película, dicen, es poco común en Hollywood. "Casi siempre acabas viendo la versión en que todo el mundo se comporta de forma noble y heroica. Nosotros quisimos hacer una película realista, donde el virus es sólo una excusa para ver cómo se comportan personas normales en una situación extrema. Las reacciones suelen ser muy egoístas", explican.

Después de haber esperado más de medio año a que Star Trek hiciera de Chris Pine una estrella mediática ("así aprovechamos la campaña de marketing de una gran producción'", cuentan), Infectados llega en tiempo de gripe A. "Nosotros escribimos el guión después de leer un artículo hace años sobre la gripe aviar. Estas son cosas cíclicas y nosotros no queríamos que se convirtiera en la típica película de actualidad que se pasa de moda".

Fuente: Brito, Sara. Infectados por Hollywood. Diario Público Nº 697, 28-8-2009. Página 22.

Breve entrevista a los hermanos Pastor con motivo del inminente estreno (11 de septiembre) de su opera prima. Más información sobre el filme: aquí.

"RIP John Hughes"

2009-08-07T17:41:00.010+02:00

Es curioso, hace un par de días recordé que aún tenía pendiente el visionado de Dieciséis velas, película de John Hughes estrenada en 1984. Pensaba hacerlo hoy o mañana, aprovechando el ocio estival y que el tiempo, en este verano frío y nuboso, no invita precisamente a salir. Cuál es mi sorpresa cuando casi por casualidad descubro en Twitter el siguiente titular: "RIP Jon Hughes". En efecto, el responsable de clásicos del cine adolescente de los años ochenta como El club de los cinco -dirección y guión-, Todo en un día -dirección- o La chica de rosa -guión- (a mayor gloria de su particular musa: la pelirroja Molly Ringwald) había fallecido (a la temprana edad de 59 años) mientras visitaba a sus familiares en Nueva York.

Sé que en España este realizador es un desconocido para el gran público (salvo quizá por su papel de creador del éxito familiar Solo en casa). En la época en que estrenó sus comedias de temática adolescente (a las que realmente debe su fama en Estados Unidos) yo era demasiado pequeño para interesarme por el mundo del celuloide. Así que no supe de él hasta varios años más tarde, con el resurgir del cine "teen" a mediados de la década pasada, al escuchar a varios directores afirmar que Hughes era la ineludible referencia en este tipo de filmes. Poco a poco he ido recuperando sus películas en dvd. Me gustan porque no tratan a los adolescentes como descerebrados. Al contrario, la calidad de los guiones es uno de sus puntos más reseñables (sobre todo en comparación con muchos de los títulos del subgénero que llegan actualmente a las carteleras). Y vistas hoy en día conservan un agradable punto de nostalgia. Dieciséis velas supuso, además, el salto al estrellato de John Cusak, actor de larga carrera posterior. Muy pronto la veré. Como pequeño homenaje.

Descanse en paz.

Viñetas desde o Atlántico 2009

2009-08-02T13:19:00.001+02:00

La ciudad de A Coruña se convierte un año más en la capital del cómic. Viñetas desde o Atlántico, del 10 al 16 de agosto. Información detallada sobre el programa del festival: aquí.

S. Darko, de Chris Fisher

2009-07-05T11:15:00.006+02:00

Donnie Darko se estrenó en el año 2001 y muy pronto adquirió la etiqueta de película de culto. Su compleja estructura narrativa, su final abierto a varias interpretaciones y sus múltiples referencias a elementos de la cultura popular (desde Los Pitufos hasta Matrimonio con hijos, pasando por el DeLorean de Regreso al futuro y el grupo musical Duran Duran) le otorgan con justicia un puesto relevante entre los filmes más oscuros, inclasificables y arriesgados de esta primera década del siglo XXI.

El por entonces debutante Richard Kelly, director y guionista de la obra, concebía un perverso cuento que transcurría en un pocos días del otoño de 1988. La historia adoptaba en realidad la forma de bucle, por lo que en principio parecía imposible que pudiera generar alguna secuela. Sin embargo, "milagros" de Hollywood, ocho años más tarde aparece esta S. Darko, en la que el papel de Kelly se limita a la cesión del personaje protagonista.

Samantha Darko (interpretada por la bella actriz Daveigh Chase en ambos filmes, si bien en el primero era tan solo una niña -y su rol, casi testimonial-), hermana pequeña de Donnie, heredera de su sonambulismo (y de su aire melancólico), es ahora quien debe hacer frente a los quiebros del destino, a los viajes a través del tiempo y a la inminente destrucción del mundo. Y es que más que una secuela, estamos ante un auténtico remake de la cinta original. Los desconocidos Chris Fisher -realizador- y Nathan Atkins -guionista- copian sin rubor los elementos más relevantes de la trama de Kelly (la escena del cine -memorable en la primera película gracias a un agudísimo diálogo- es el mejor ejemplo de esta falta de ideas nuevas), aunque ni de lejos logran recrear la insana atmósfera de su precedente. Así, algunas secuencias oníricas parecen directamente extraídas de un anuncio televisivo de colonia. Y es que visualmente la obra no puede negar su origen como estreno directo en dvd.

Por otro lado, los guiños a la película protagonizada por Jake Gyllenhaal son continuos (basta decir que el nombre del pueblo donde se desarrolla la acción es Conejo Springs, obvia alusión al personaje de Frank, amigo imaginario del adolescente Darko), añadiendo a la ya de por sí intrincada estructura argumental una complejidad más para todos aquellos que se acercan a la cinta sin haber visto antes la opera prima de Kelly.

En cuanto al nivel interpretativo, hay que reseñar que el reparto está plagado de nombres conocidos del mundo de las series de televisión (en su mayoría actores jóvenes, protagonistas de programas de éxito entre los adolescentes -supuestos "receptores" de este filme-), pero poco habituales en la gran pantalla, salvo quizá el caso de Elisabeth Berkley, en un papel (casi anecdótico) similar al que realizaba Drew Barrymore en la susodicha Donnie Darko. Todos ofrecen actuaciones mediocres, sin brillo alguno. Tal vez sólo se salva la ya mencionada Daveigh Chase, aunque más por los agradables planos que regala a la cámara que por sus cualidades como intérprete.

En definitiva, versión telefilme de sobremesa de un clásico moderno, carente de interés incluso para los muy aficionados a la primera película. Ahora solo queda esperar que ningún productor iluminado mencione la palabra "trilogía".

Trece tristes trances, de Albert Sánchez Piñol

2009-06-21T13:17:00.004+02:00

Basta echar un vistazo a la etiqueta de reseñas literarias en la columna de la derecha para comprobar que las dos novelas publicadas hasta la fecha por el escritor catalán Albert Sánchez Piñol (La piel fría y Pandora en el Congo) figuran entre mis lecturas favoritas de los últimos tiempos. Por ese motivo, por el excelente sabor que me dejaron ambas obras, aguardaba mucho de esta antología de relatos (la segunda del autor, tras Les edats d'or -creo que no traducida de momento al castellano-). Sin embargo, debo reconocer que la sensación al terminar el libro no es todo lo buena que esperaba. Me explico: varios de los cuentos (los de menor extensión, por cierto) están muy alejados del rico (y absorbente) universo creado por el barcelonés en los textos largos ya mencionados. Incluso creo que pueden considerarse más simples fábulas que auténticos relatos/microrrelatos. Es el caso de, por ejemplo, Todo lo que necesita una cebra para sobrevivir en la sabana, La ley de la selva o El Rey de Reyes y las dos ciudades. No digo que carezcan de interés, de hecho creo que de alguna manera se refleja en ellos una parte de la faceta de antropólogo del autor, pero quizá desconciertan un poco al lector acostumbrado a que la pluma de este escritor alumbre aventuras próximas a Conrad, Stevenson o Lovecraft.

En otros textos sí resulta más sencillo reconocer el estilo del Piñol novelista. Un relato creo que destaca por encima del resto: Dime que aún me quieres, cierre del volumen. La historia, cargada de ironía, cierta tristeza y un marcado aire fantástico, no tiene desperdicio: un tipo recién casado debe hacer frente al regalo de bodas de su suegra: una armario que devora personas (sic). Otros cuentos a tener presentes son: Cuando caían hombres de la Luna y De chiquitín tos de mastín; más adelante, pata de elefante. Ambos aprovechan elementos de ciencia ficción (eso sí, buscando el absurdo) para explorar, entre otros temas, el complejo universo de la familia y las relaciones que se establecen entre sus miembros.

Estos tres relatos (y alguno más -Nunca compres churros en domingo-) ya hacen rentable la compra de un libro que sitúo más cerca del bien que del aprobado (y, ya digo, al que sólo mis altas expectativas impiden alcanzar una nota mayor). Y es que, al fin y al cabo, Trece tristes trances cumple con creces el papel de entremés, de pieza ligera con la que hacer un poco más llevadera la espera de esa conclusión para la trilogía iniciada en 2003 con La piel fría. Por si fuera poco, algo he leído sobre que el catalán prepara también una novela fantástica ambientada nada menos que en el Londres del siglo XIX. En fin, parece que hay Piñol para rato.

Ficciones mínimas

2009-06-06T13:42:00.004+02:00

Microficciones es la idea que se me ha ocurrido para darle utilidad a una vieja cuenta que tenía abierta en Twitter. Se trata de un espacio para ir publicando relatos muy breves (de no más de 140 caracteres, tal y como mandan las normas del servicio). Busco con ello desentumecerme un poco tras cierto tiempo sin escribir (salvo para redactar las entradas del blog, apenas me he acercado al procesador de textos). Y es que la preparación de unas oposiciones me está robando demasiado tiempo y energía. Con estos nanocuentos espero, al menos, matar el gusanillo. La cosa por ahora marcha bien. Los breves fluyen y la limitación de espacios supone un reto interesante. Pero que nadie aguarde piezas de antología, porque la mayoría son líneas totalmente improvisadas.

He añadido un apartado en la columna de la derecha para que cualquiera que visite el blog pueda acceder a los textos directamente desde aquí. Espero que sirva también para darle algo más de dinamismo a la bitácora, pues el ritmo de actualizaciones (y la calidad de las mismas, para qué mentir) ha decaído bastante en estos últimos meses. Y me temo que seguirá ralentizado como mínimo hasta final de año, aunque en breve espero poder publicar un par de reseñas de mis últimas lecturas.

V

2009-05-22T11:47:00.008+02:00

Era una de mis series favoritas de crío. Y eso que no debía tener más de tres o cuatro años cuando la emitieron en España por primera vez. Pero recuerdo bien la impresión que me producía ver a los lagartos (ay, Diana) devorar ratones. También recuerdo que a esa edad infantil todos jugábamos a construir armas como las de los protagonistas (con piezas Lego, por ejemplo) y nos peleábamos para ejercer de Mike Donovan. En fin, que vuelve V, en una nueva versión, y no puedo evitar algo de nostalgia.

La piel fría, Cold Skin, en 2011

2009-05-11T08:03:00.001+02:00

El proyecto de adaptar a la gran pantalla la novela breve de Albert Sánchez Piñol va tomando cuerpo poco a poco. A la espera de confirmar los nombres de los actores que darán vida a los protagonistas de la historia (un triángulo formado por un oficial atmosférico destinado en una isla remota, el farero del lugar y una criatura marina de aspecto casi humano), ya se conoce la identidad del director: será David Slade (responsable de la interesante -y políticamente incorrecta- Hard Candy). El guión llevará la firma de Jesús Olmo (28 semanas después). Fecha prevista para su estreno: 2011.

Treinta años de Apocalypse

2009-05-10T16:45:00.003+02:00

Hoy se cumplen treinta años del estreno de la película Apocalypse Now en el Festival de Cannes (1979). Francis Ford Coppola presentó en la pequeña ciudad francesa una de las obras cumbre de su filmografía, un auténtico "clásico moderno" del cine bélico (¿antibélico?). El realizador italo-americano y el guionista John Milnius (autor también de los libretos de Conan, el bárbaro y Jeremiah Johson) trasladaron con enorme eficacia el espíritu de la novela El corazón de las tinieblas, escrita por el polaco Joseph Conrad en 1899 -y centrada en la explotación colonial-, a Vietnam, escenario adecuado para denunciar la estupidez de la guerra y explorar los abismos de la locura. Además de la maestría de Coppola tras la cámara, unos diálogos memorables y un reparto en estado de gracia (con Marlon Brando bordando un papel para el recuerdo) convierten a Apocalypse Now en uno de los filmes más importantes del siglo XX.

Lecturas para un domingo

2009-05-03T09:18:00.007+02:00

Novela

Título: El quimérico inquilino
Autor: Roland Topor
Editorial: Valdemar
Colección: El Club Diógenes
204 págs - 8 €

Roland Topor (1938-1997) fue un personaje polifacético e inclasificable, dotado de un perturbador y macabro sentido del humor. Sus influencias surrealistas le llevaron a fundar en 1962, junto con Fernando Arrabal y Alejandro Jodorowsky, el ya legendario Grupo Pánico.

El quimérico inquilino es la primera novela de Topor, un relato sórdido e inquietante que Roman Polansky llevó al cine y protagonizó con bastante acierto. Es la historia de la progresiva autodestrucción psicológica y física de su protagonista al quedar atrapado en la espiral de la locura y sus terrores. Trelkovsky, un joven parisino correcto y discreto, alquila un apartamento que ha quedado libre en la calle Pyrénées. Poco a poco, las relaciones con los vecinos y su obsesión por la trágica desaparición de la antigua inquilina, le van sumergiendo en una pesadilla llena de extrañas visiones, una grotesca trampa que adquiere las precisas dimensiones de un agobiante apartamento. El final inesperado constituye una obra maestra del «tercer acto», un desenlace en el que el autor sugiere la terrible idea de la historia circular, del eterno retorno del tormento. Sobre El quimérico inquilino, el prestigioso escritor y guionista John Collier dijo lo siguiente: "Una historia de terror realmente actual, tan estrechamente enrollada sobre sí misma, tan fría, sigilosa y mortal como una serpiente en la cama".

Relatos
Título: Si te gustó la escuela, te encantará el trabajo
Autor: Irvine Welsh
Editorial: Anagrama
Colección: Panorama de Narrativas
448 págs - 21,50 €

Ésta es la primera colección de cuentos de Welsh desde Acid House, que cambió nuestra mirada sobre una época y una generación. En "Serpientes de cascabel", a dos chicos y una chica, muy drogados y enrollados, se les para el coche en medio del desierto y se preparan a pasar la noche. Pero al conductor lo pica una cascabel en la parte del cuerpo que tenía en la mano mientras soñaba con la chica. En el relato que da título al libro, Mickey, un expatriado inglés en las Canarias, tendrá que hacer juegos de prestidigitación con sus diferentes amantes, además de vigilar a dos presuntos gángsters que parecen planear un golpe. El lector también se encontrará con unas chicas muy esnobs, que se reúnen en un restaurante coreano de novísima cocina, a una de ellas le desaparece el perro y sospecha de su vecino: el chef del restaurante..., y con "Miss Arizona", una especie de terrorífica Gloria Swanson de Sunset Boulevard, la última esposa de un famoso realizador indie y maldito. Y, en "El reino de Fife", Welsh vuelve a su territorio, la Escocia profunda, con una historia de amor con sexo y drogas, y también mucho de comedia de enredos. "Sumado a todo lo que ya admiramos en él, Welsh se revela aquí como un escritor cómico brillante" (Hugo Barnacle, The Times).

El derbi

2009-05-02T19:25:00.004+02:00

De no ser por la nueva gripe surgida en México, no se hablaría de otra cosa. El derbi, el clásico, el partido del año, el duelo del siglo... Nada enciende más los ánimos de los periodistas y comentaristas especializados que un enfrentamiento entre dos equipos irreconciliables, el Real Madrid y el F. C. Barcelona. Si además ese enfrentamiento puede decidir quién será el campeón de la Liga, el "ruido mediático" aumenta en decibelios. Curiosamente, la experiencia dice que este tipo de choques casi nunca suelen cumplir las expectativas depositadas en ellos, pues el respeto, el miedo a fallar ante el eterno rival, atenaza a entrenadores y jugadores. Pese a todo, el interés de los aficionados está asegurado durante los noventa minutos reglamentarios.

A propósito del fútbol, de los seguidores de este deporte y de los partidos decisivos, escribe el británico Nick Hornby, autor de obras tan recomendables como Alta fidelidad o Érase una vez un padre, en su libro Fiebre en las gradas (repaso en clave tragicómica de toda una vida -la suya- como hincha del Arsenal, uno de los equipos históricos de Inglaterra): "Puede que sea absurdo, pero aún no me he animado a decir que el fútbol sea un deporte maravilloso, y por supuesto que lo es. (...) Me encanta el ritmo que tiene, la inexistencia de fórmulas preconcebidas; me encanta cómo pueden los bajos con los altos, los enclenques con los fuertes, cosa que no ocurre en ningún otro deporte de contacto; me encanta que el mejor equipo no sea siempre el que gana. (...) Pero eso no es todo. (...) Cuando estoy en Highbury -estadio del Arsenal- en una noche de las grandes, o en Wembley -mítico recinto londinense-, cómo no, en una tarde más grande aún, tengo la sensación de estar en medio del universo. ¿En qué otra situación puede sentirse uno así? Puede que cuando tengas una entrada estupenda para la noche de estreno de un nuevo espectáculo de Andrew Lloyd Webber, aunque en el fondo sabes que ese espectáculo va a estar en cartel durante años y años, así después tendrás que decir a todo el mundo que tú lo viste antes que cualquier otro, cosa que no resulta nada atinada, por no decir que suele estropear por completo el efecto. Puede, si no, que te ocurriese cuando viste a los Stones en Wembley, aunque hasta una cosa así se repite hoy en día con bastante frecuencia, por lo cual carece del impacto tremendo y único que tiene un partido de fútbol. (...) En todo el país, no es posible estar en ningún otro lugar y sentirse como si uno estuviera en el centro de todo. Da lo mismo a qué discoteca vayas, a qué película, a qué concierto, a qué restaurante: la vida habrá seguido en marcha en otra parte, sin tener en cuenta nuestra ausencia, tal como siempre sucede. En cambio, cuando estoy en Highbury en un partido como éste, tengo la sensación de que el resto del mundo se ha parado, de que está congregado a la puerta del estadio, en espera de saber cuál ha sido el resultado.

A buen seguro, idéntica sensación embargará a millones de aficionados dentro de tan sólo unos minutos, cuando el balón eché a rodar.

Fuente: Hornby, Nick. Fiebre en las gradas. Ediciones B (Punto de lectura). Barcelona, 2001. Págs 397-400.

[Imagen: Ryan Caceres]

El momento Boyle

2009-05-01T17:30:00.001+02:00

La fama está barata hoy en día. Gracias a la telaraña global, alcanzar repercusión resulta más sencillo ahora que en ninguna otra época precedente. La expansión de las nuevas tecnologías y el auge y poder de difusión de internet propician que personas "normales", individuos para los que el mundo del espectáculo y la farándula estaba a millones de kilómetros de distancia, salgan del anonimato y se conviertan en celebridades. Ejemplos de esto, en los últimos tiempos, los hay por docenas. Basta con hacer un poco de memoria. Casos como el de aquel torpe adolescente que, ataviado con un disfraz casero de personaje de La guerra de las galaxias y repartiendo imaginarias estocadas con un bastón a modo de sable de luz, consiguió notoriedad a escala mundial. Porque la extravagancia parece ser una característica común de este tipo de sujetos. Desde el campeón alemán de lucha de pulgares hasta un imitador filipino de Supermán, cualquiera puede hacer buena la manida sentencia de Warhol: "En el futuro, todos tendremos quince minutos de fama".

El último fenómeno surgido de esa inagotable cantera de freaks que es Youtube responde al nombre de Susan Boyle. Poco podían imaginar los miembros del jurado de un popular concurso de talentos británico que aquella ama de casa cuarentona, poco agraciada y de estrafalario comportamiento escondía una voz que nada tenía que envidiar a la de cualquier gran diva de la canción. Tras dejar con la boca abierta a los jueces y el resto del auditorio, la publicación de su actuación en el sitio web de intercambio de videos por excelencia hizo el resto. Ahora a la mujer, que nunca había salido de su pequeño pueblo natal, le llueven las ofertas: entrevistas y proyectos de toda índole (aunque uno de ellos destaca por su originalidad: protagonizar una película pornográfica -y es que el anuncio de su virginidad también ha despertado cierto morbo, todo hay que decirlo-).

Quienes han probado alguna vez las mieles de la fama advierten a menudo sobre la fugacidad de la misma. Un día estás en la cresta de la ola, tu nombre copa portadas y titulares, los flashes te deslumbran, y al día siguiente amaneces convertido de nuevo en un tipo corriente. Internet, claro, acorta los tiempos más si cabe. La caducidad de las celebridades nacidas al amparo de la red es cuestión de días, de semanas como mucho. Así que haría bien Susan Boyle en atender los cantos de sirena, aprovechar el momento y recaudar una buena cantidad de libras de los tabloides que la cortejan. Porque el siguiente freak aguarda ya a la vuelta de la esquina.

J. G. Ballard (1930-2009)

2009-04-21T19:04:00.007+02:00

El pasado domingo falleció J. G. Ballard. Con motivo de su aniversario, hace unos cuantos meses -concretamente en noviembre- dediqué una breve entrada a la figura de este notable escritor británico. A dicha entrada me remito como pequeño homenaje póstumo. Descanse en paz.

Se acerca Holmes

2009-04-16T11:45:00.002+02:00

El célebre personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle en 1887 ha conocido hasta la fecha multitud de adaptaciones cinematográficas. Algo no muy sorprendente, pues el potencial para la gran pantalla de las aventuras de este cerebral investigador londinense resulta innegable. Ahora es Guy Ritchie el que se dispone a intentar resucitar la mitología del carismático detective residente en el 221B de Baker Street. Se espera un Homes (interpretado por Robert Downey Jr.) diferente al retratado por Conan Doyle en sus relatos. No podía ser de otra manera si tenemos en cuenta que a Ritchie se debe el surgimiento de aquella corriente de cine negro inglés, caracterizada por sus toques transgresores, que algunos denominaron brit-noir-cool (a la que pertenecen, por ejemplo, Lock & Stock y Snatch: Cerdos y diamantes, primeras obras del director). Sherlock Holmes llegará a las carteleras norteamericanas en Navidad y a España en enero de 2010.

[Imagen: Jude Law y Downey Jr. como Watson y Holmes respectivamente]

La llave del abismo, de José Carlos Somoza

2009-04-15T20:19:00.009+02:00

La vida rutinaria de Daniel Kean, joven empleado ferroviario, queda marcada para siempre cuando en un día normal de trabajo descubre a un pasajero con una bomba adherida a su cuerpo. Antes de que pueda reaccionar, el extraño le propone un arriesgado trato.

Junto a una muchacha cuyos ojos solo ven oscuridad, un bibliofilo escéptico e inquisitivo y los extraños y poderosos amigos de estos, Daniel Kean cruzará tierras pobladas de tinieblas, remotas leyendas y dioses arcaicos, desde Japón hasta los últimos confines de la Tierra, para hallar la Llave del Abismo y descifrar así la verdad sobre la entidad suprema que rige el mundo. Una verdad tan imprevista como pavorosa...

Resulta complicado escribir una novela entera tomando como punto de partida determinados elementos/conceptos del rico universo creado por el popular H. P. Lovecraft. Si además la acción de esa novela tiene lugar en un futuro (más o menos próximo) en la línea de filmes como Blade Runner o El Quinto Elemento, la dificultad del reto es todavía mayor. José Carlos Somoza lo intenta, y es loable su esfuerzo por dotar de contenido a la historia narrada, pero mentiría si dijera que el resultado me ha parecido del todo satisfactorio. Y eso que el libro empieza bien, con una rimo trepidante que obliga a pasar las hojas con avidez. Pero tras un centenar de páginas (justo cuando comienza la parte de la trama que se desarrolla en Japón -enclave vital del argumento-), la acción pierde fuerza, se enreda en artificios, y aunque remonta el vuelo hacia el desenlace de la historia, el menoscabo al interés del lector ya está hecho.

Pese a que los personajes principales están dibujados con corrección, lo cierto es que por el motivo arriba mencionado considero a La llave del abismo como la obra menos brillante de cuantas he leído del autor hasta el momento. Aunque también reconozco que no soy demasiado aficionado a este tipo de ciencia ficción (¿cyberpunk?). Y tal vez eso influye en mi impresión general sobre el libro.

(+) Reseñas de otras obras de José Carlos Somoza:

- Fantasmas de papel

- La dama número trece

Déjame entrar, de Tomas Alfredson

2009-04-06T08:15:00.003+02:00

La relación entre los vampiros y el mundo cine es muy estrecha y prolífica. Desde la magistral Nosferatu, el Vampiro, de F.W. Murnau, una de las obras fundacionales del género de horror, hasta las recientes y ligeras aproximaciones al mito desde una perspectiva más juvenil y romántica, pasando por el legendario filme de la Universal donde Béla Lugosi interpretaba al conde transilvano y la adaptación (¿definitiva?) de la novela Drácula que rodó Francis F. Coppola a comienzos de los noventa. Sin embargo, esta película sueca dirigida por Tomas Alfredson (y guionizada por John Ajvide Lindqvist, responsable del libro original), aunque respeta varias de las características que Bram Stoker empleó para definir a su inmortal (nunca mejor dicho) personaje, ofrece algunos rasgos diferenciales.

Así, la acción transcurre en un barrio gris de la ciudad de Estocolmo. Allí vive Oskar, un muchacho inadaptado y aficionado a los sucesos violentos y escabrosos (no en vano, uno de sus pasatiempos favoritos es coleccionar recortes de prensa sobre tragedias y asesinatos). Una noche, mientras juega en un parque cercano a su casa, conoce a Eli, su nueva vecina. Sorprendido por que la joven no lleva ropa de abrigo pese a las bajas temperaturas, Oskar comienza a hablar con ella, a interrogarla para saciar una suerte de curiosidad infantil. Nace en ese momento una particular amistad que, en poco tiempo, transforma la existencia de ambos.

Se puede afirmar, a la vista de este argumento, que en Déjame entrar, si bien resulta relevante en algunos momentos específicos de la trama, el componente vampírico del argumento no deja de ser casi un atavío más con el que envolver una reflexión de cierta hondura acerca de la soledad, la marginación social y, especialmente, los complejos avatares de esa época confusa que es la adolescencia. Todo ello aderezado con una oportuna dosis de lirismo y melancolía.

En cuanto a la forma, cada secuencia está cuidadosamente estudiada. Cada escena tiene su porqué; cada plano, su razón de ser. Y en este juego de no permitir que nada quede al azar, elementos como la nieve o la sangre adquieren una importancia decisiva y catalizan una pregunta: ¿Quién es el auténtico monstruo, aquel que hace el mal por divertimento, o el que lo hace para sobrevivir? Esta cuestión asoma en muchos momentos y se convierte en leitmotiv de la historia.

Pero, sin duda, lo mejor del filme es la extraña complicidad que se establece entre la pareja protagonista. Lina Leandersson (Eli) y Kare Hedebrant (Oskar), apoyados en unos diálogos cargados de macabra ingenuidad, ofrecen varios momentos que perduran en la retina del espectador tiempo después del visionado del filme. Cabe destacar al respecto la escena en la que ambos comporten lecho (tras una de las secuencias más terroríficas) y el instante final de la acción, que plasma con una sencillez encomiable cómo superan ambos jóvenes las trabas que la naturaleza impone a su incipiente relación.

En definitiva, estamos ante una obra sumamente recomendable, con una notable nivel tanto interpretativo como formal y argumental, que debería satisfacer incluso a los menos aficionados al género de terror (y de vampiros en particular). Lo peor: que ya se anuncia un remake norteamericano de la historia. A juzgar por otros ejemplos recientes de adaptaciones "hollywoodienses" de éxitos europeos u orientales, no parece demasiado arriesgado aventurar que tal versión distará mucho en calidad de la película firmada por Alfredson.

(+) Crítica de Déjame entrar en Muchocine.net

Watchmen, de Zack Snyder

2009-03-20T12:11:00.001+01:00

Adaptar un cómic a la gran pantalla casi nunca resulta una labor sencilla. Al contrario, pese a compartir el uso de imágenes para contar historias, ambos medios operan con lenguajes radicalmente diferentes. Si encima hablamos de una novela gráfica de la magnitud de Watchmen, seleccionada por la revista Time como una de las 100 mejores novelas -a secas- en lengua inglesa desde 1932, la complejidad aumenta exponencialmente. Por tal motivo, la traslación al cine de la obra escrita por Alan Moore a finales de los 80 (y publicada por primera vez en D.C Comics) durmió durante años el sueño de los justos. En ese tiempo, directores tan distantes desde el punto de vista conceptual como Terry Gilliam o Darren Aronofsky llegaron a interesarse por tomar las riendas del proyecto. Pero fue Zack Snyder (un realizador con experiencia en lides parecidas, no en vano en su currículum figura otra adaptación de un cómic célebre, 300) quien finalmente consiguió llevarse el gato al agua.

Como buen seguidor del material original, Snyder se muestra fiel al enrevesado argumento concebido por Moore (si bien el guionista británico ha mostrado su disconformidad con el filme, motivo por el cual en los créditos no se menciona su nombre, tan solo el del dibujante: Dave Gibbons), aunque añade sus propias señas de identidad, es decir, el gusto por la desmesura y, especialmente, una suerte de modernidad mal entendida. Así, las andanzas de este grupo de superhéroes (hastiados, frustrados y más humanos que nunca) por una inquietante América alternativa aparecen sazonadas por no pocas escenas de acción con estética videoclip, en la más pura línea Matrix (¿hasta cuándo durará la influencia de los hermanos Wachowski a la hora de rodar una pendencia callejera?)

De este modo, son los personajes (y el tejido de complejas relaciones existentes entre ellos) los que salvan el filme. La elección del reparto (plagado de rostros poco conocidos) se antoja irreprochable, destacando sobre todo la convincente interpretación de Jackie Earle Haley como Rorschach (atención a su cambiante máscara) y la belleza de la actriz sueca Malin Akerman, quien da vida a Espectro de Seda II.

La banda sonora es otro de los puntos fuertes de la película. Tal vez a muchos pueda contrariar el empleo de temas de artistas tan dispares como Bob Dylan, Leonard Cohen, My Chemical Romance o Simon & Garfunkel, pero lo cierto es que en determinadas escenas las canciones elegidas "empastan" a la perfección con las imágenes mostradas. A destacar en este sentido la sorprendente e irónica secuencia inicial, que pone al espectador en antecedentes al ritmo de la canción The Times They Are A-Changin' (de Dylan).

Todos estos mimbres convierten a Watchmen en un entretenimiento muy digno, incluso brillante en algunos momentos. Aunque el conjunto no alcanza cotas de gran obra cinematográfica (al contrario de lo que ocurría con El Caballero Oscuro, por citar otra reciente adaptación de un cómic). Además del mencionado exceso de artificio, el filme adolece de cierta frialdad. Y es que, por mucho empeño que pone, Snyder no logra remover los sentimientos del espectador, aun cuando la trama concedía oportunidades para ello. Así y todo, dentro de su género, se trata de una de las películas más interesantes de cuantas han llegado a las carteleras en los últimos tiempos.

(+) Crítica de Watchmen en Muchocine.net

Aviondepapel.tv, una televisión literaria

2009-03-12T11:30:00.006+01:00

Me hago eco del nacimiento de una televisión literaria, aviondepapel.tv.

Extraído de su propia página web:

"Aterriza Avióndepapel.tv, una nueva televisión en Internet que conecta a escritores con lectores. Acudimos a los principales eventos literarios. Asistimos a las conferencias de los autores más reputados. Nos interesamos por los nuevos autores, por las nuevas tendencias literarias. Los escritores nos abrirán sus libros. Nos confesarán sus influencias. Nos darán sus recomendaciones. Realizamos entrevistas en profundidad que te revelarán como viven, como escriben, como se mueven en el mundo editorial. Nace una nueva forma de ver y entender la literatura, a la palabra le añadimos la imagen. Aviondepapel.tv, tu televisión literaria. Míranos, escúchanos, léenos".

Iniciativa muy interesante, sin duda.

Próximamente: Cuentos para sonreír

2009-03-09T08:16:00.007+01:00

El pasado día 29 de febrero tuvo lugar el fallo del I Premio Algazara de Microrrelatos, certamen convocado por la editorial sevillana Hipálage. De los 989 textos presentados a concurso -todos ellos con un denominador común: su temática optimista, vital y entusiasta-, 272 han resultado seleccionados para formar parte de la antología Cuentos para sonreír, de próxima publicación. Uno de mis hiperbreves figura en la lista.

Ficha del libro:

Cuentos para sonreír, de VV.AA.

ISBN: 978-84-96919-15-0

14x21 cm. Rústica

290 páginas

Precio (IVA incluido): 20 euros

Más información: aquí.

Avance: Inglourious Basterds (Malditos Bastardos)

2009-02-28T17:46:00.008+01:00

Malditos Bastardos, la nueva película de Quentin Tarantino, ya calienta motores.

Literatura Comprimida 2008

2009-02-19T18:15:00.008+01:00

Reencuentro, un hiperbreve inédito, ha resultado seleccionado en el concurso Literatura Comprimida, premio que convoca el Servicio de Juventud de la Comarca de la Sidra en el marco de su programa anual de apoyo a jóvenes artistas denominado Creación. Por tal motivo, junto a otros 199 textos -escogidos de entre los más de 700 presentados-, aparece en el libro recopilatorio del certamen. La antología Literatura Comprimida 2008 puede leerse y descargarse aquí.

(+) Literatura Comprimida 2007

La semilla del mal, de David S. Goyer

2009-02-12T08:46:00.010+01:00

Desde hace algo más de una década, el terror ha experimentado un auge considerable en la industria cinematográfica americana (y mundial, me atrevería a decir). Así, raro es el fin de semana que no asoma por las carteleras algún título con la sana intención de provocar escalofríos en los cada vez más curtidos espectadores. Claro que no todos los filmes del género caben en idéntico saco: hay diferentes corrientes en función de la forma que adopta el "Mal". Si a mediados de los noventa triunfaban las imitaciones de Seven (psicópatas retorcidos) y Scream ("slasher" puro y duro), y el cambio de milenio supuso un repunte de las películas de contenido apocalíptico (El fin de los días, Stigmata), ahora, sagas "gore" como Saw o Hostel aparte, lo que parece estar en alza es el terror a imitación del procedente de Asia (el éxito del remake "yankee" de The Ring inició la tendencia allá por el año 2002).

Dirigida por David S. Goyer (responsable del guión de la trilogía Blade -y director de la tercera entrega de las aventuras del cazador de vampiros-), La semilla del mal (por cierto, mención especial para la originalidad de los responsables de traducir el título inglés: The Unborn) no es más que la recreación de una historia con inconfundible aroma oriental, pero adaptada a los modos y formas imperantes en el Hollywood actual. El argumento es el siguiente: Casey Beldon (interpretada por Odette Yustman) comienza a sufrir una serie de fenómenos paranormales relacionados con niños y recién nacidos. Angustiada, decide indagar en su pasado, descubriendo gracias a estas pesquisas una vieja maldición familiar que se remonta a la Alemania nazi.

Artificial y previsible, poco se puede destacar de un producto basado en el recurso al susto fácil y claramente orientado hacia un tipo de público, el juvenil, que a menudo los productores confunden con "poco exigente". Ni la presencia de un solvente veterano como Gary Oldman, ni el despliegue de efectos especiales, ni siquiera el innegable atractivo físico de la actriz protagonista (véase el cartel de la izquierda) logran compensar el visionado de una película que pretende recuperar cierto espíritu (nunca mejor dicho) de clásicos como El exorcista o La semilla del diablo y fracasa estrepitosamente en el intento.

Crítica de La semilla del mal en Muchocine.net

2009: Año Poe

2009-01-19T08:06:00.007+01:00

Hoy se cumplen doscientos años del nacimiento del gran escritor norteamericano Edgar Allan Poe (Boston, 1809 - Baltimore, 1849). Por tal motivo, el pasado sábado el diario ABC publicó, en sus páginas culturales, un extenso e interesantísmo reportaje sobre la figura y repercusión del autor de los cuentos El corazón delator y El gato negro. He aquí un breve fragmento de cada uno de los artículos que conformaban esa crónica.

Decir Poe es decir misterio, sorpresa asegurada, miedo, crimen, pesquisa (Auguste Dupin en Los crímenes de la calle Morgue con o sin el rostro de Bela Lugosi), penumbras de la conciencia, luz atufante de gas; lo que es extraordinario e indefinible -"Hay ciertos secretos que no se dejan expresar"-, que será uno de los motivos recurrentes de Lovecraft, aquello que es algo más que una sospecha y pertenece al dominio de la noche (no siempre vencida por la luz eléctrica, esa enemiga del misterio y la vida truculenta). Poe nos seduce con los terrores más comunes -el de ser enterrado vivo, por ejemplo-, con las casas insondables, con la locura, con los crímenes impunes, con la culpa que empuja a la confesión, con lo que, siendo improbable, nos arrebata de una jiga macabra. Para danza de la muerte, la suya.

Sánchez-Ostiz, Miguel. Poe, el hombre sin suerte.

Poe fue el primer impacto de la literatura americana en Europa. Ya se conocían y se frecuentaban algunos escritores de ultramar en los viejos parapetos. Fenimore Cooper, por ejemplo. Pero América letrada dejó de ser mera tierra de mohicanos y traperos con Poe, fascinación de Baudelaire que lo fue luego de Mallarmé que lo fue luego de Valéry. Y también Melville, Hawthorne, Thoreau, Emerson, Whitman.

Matamoro, Blas. Poe de ida y vuelta.

La Muerte, su gran compañera, ha sublimado el recuerdo de Edgar Allan Poe hasta convertirlo en un personaje casi ajeno a este mundo; irreal y fantástico, como seguramente a él le hubiera gustado pasar a la posteridad. Borges lo intuyó cuando escribió que "Poe pertenece a lo intemporal y a lo eterno", aunque, en cualquier caso, ningún otro escritor de los últimos siglos haya tenido tanta repercusión terrenal.

Martínez Laínez, Fernando. El terror del alma.

Fuente: A la sombra de Poe. ABCD. Las artes y las letras. Nº 885. Semana del 17 de enero de 2009. Págs 5-7.

Cuarentena, de John Erick Dowdle

2009-01-17T17:43:00.010+01:00

"Innecesario" es el adjetivo más apropiado para definir este filme. Innecesario resulta un remake de [REC] (y más aún en estos tiempos, cuando la famosa globalización hace que las películas carezcan de fronteras -aunque el conocido chovinismo hollywoodiense parece todavía ajeno a estos cambios-) e innecesario, aunque comprensible por la necesidad de amortizar lo más posible el "invento", su estreno comercial en España, pues nada nuevo aporta Cuarentena al producto original pergeñado por el tándem Balagueró/Plaza. Así, otra vez acompañamos a la joven reportera Vidal (interpretada por la actriz Jennifer Carpenter, la hermana de Dexter en la serie de televisión homónima) y a su sufrido cámara, que durante una noche deben seguir a un grupo de bomberos para narrar la cotidianidad de estos profesionales. Un aviso urgente, sin embargo, quiebra la rutina habitual y les lleva a un edificio donde habita una anciana aquejada de una extraña enfermedad.

El director John Erick Dowdle (responsable del guión, junto a su hermano Drew) se limita a copiar, casi secuencia por secuencia, la película del año 2007. Añade un par de escenas (alguna meritoria, justo es reconocerlo), recorta otras (el célebre interludio de entrevistas a los vecinos del inmueble, por ejemplo, que Balgueró y Plaza aderezaban con ciertas dosis de crítica social) y mantiene en líneas generales virtudes y defectos. El final, como se puede intuir al contemplar el desafortunado cartel promocional, es el mismo en ambas historias. Lo cual resulta una pequeña decepción, pues la conclusión de [REC], con todas esas explicaciones de última hora sobre el porqué de los acontecimientos, me pareció en su momento un tanto forzada y tenía esperanzas de que la versión norteamericana aportase un punto de vista diferente.

En cuanto al reparto, salvo la ya mencionada Carpenter (acertadísima elección si se buscaba una intérprete con notable parecido físico a Manuela Velasco), está integrado por actores bastante desconocidos para el gran público; algo lógico, por otra parte, dada la pretensión de directores y productores de dotar a la obra de ese tono entre hiperrealista y amateur, próximo al falso documental, que puso de moda a finales de la década pasada la hoy olvidada El proyecto de la bruja de Blair.

Resumiendo, los espectadores que no hayan visto la película original probablemente disfrutarán de la propuesta; el resto del público, como queda dicho, no hallará en Cuarentena grandes alicientes.

Crítica de Cuarentena en Muchocine.net

Obama y... ¿Spider-Man?

2009-01-11T10:31:00.006+01:00

Faltan tan sólo unos días para la toma de posesión de Barack Obama como presidente de los EE.UU. Con motivo de esta celebración, en la editorial de cómics Marvel han decidido que el hasta ahora senador por el estado de Illinois comparta páginas nada más y nada menos que con Spider-Man, superhéroe al que el nuevo mandatario era aficionado en su juventud. Sobre estas líneas, la portada de ese número especial, una muestra más del enorme carisma mediático del que ya hizo gala el hawaiano durante toda la carrera electoral.

Salinger y El guardián entre el centeno

2009-01-03T19:47:00.003+01:00

El pasado día 1 de enero cumplió noventa años el escritor norteamericano J.D. Salinger, padre literario del adolescente rebelde, mordaz y confuso por antonomasia, Holden Caulfield, protagonista de la novela El guardián entre el centeno. Como es bien sabido, Salinger vive retirado y alejado por completo del ruido mediático (no concede una entrevista desde hace más de un cuarto de siglo), pese a que la obra antes señalada, una de las cumbres de la narrativa estadounidense, le ha convertido casi en un mito. Este carácter esquivo del autor contribuye a alimentar la polémica existente alrededor del libro desde el mismo momento de su publicación (1951). Criticado entonces por su lenguaje (la jerga típica de cualquier quinceañero de la época) y por las referencias al sexo y alcohol, El guardián entre el centeno arrastra la fama de ser el texto de cabecera de varios asesinos célebres (Mark David Chapman, responsable de la muerte de John Lennon, incluido), además de haber inspirado temas musicales de bandas hard-rock, como los californianos Guns N´Roses. Pero todas estas controversias al margen, hay un hecho incuestionable sobre el autor y la obra: a mediados del siglo XX, la pluma de Salinger supo retratar con agudeza sobresaliente la angustia vital de quien no ya no es un niño, pero tampoco pertenece al mundo de los adultos. Y ese retrato no ha perdido su vigencia hoy en día.

[Imagen: Darick Robertson]

Bebés jugando con cuchillos, de Santiago Eximeno

2009-01-02T13:02:00.005+01:00

Últimamente, en una iniciativa digna de aplauso, la editorial granadina Grupo AJEC parece apostar de forma decidida por las antologías de género firmadas por autores españoles. Así, durante la pasada primavera salieron a la venta, dentro de la colección Albemuth, sendas recopilaciones de Marc R. Soto (El hombre divergente) y Sergio Mars (El rayo verde en el ocaso). Ahora le toca el turno a Santiago Eximeno, uno de los escritores patrios más prolíficos dentro del ámbito del terror y la fantasía oscura, tanto en el llamado fandom como fuera de él, y un autor, todo hay que decirlo, del que ya se echaba en falta la publicación de un compendio de relatos en papel.

Bebés jugando con cuchillos contiene una presentación general a cargo de Alberto García-Teresa y dieciocho cuentos. El objetivo último de estas narraciones es provocar malestar, desasosiego, un escalofrío de inquietud. Para ello, Eximeno recurre a una acertada creación de atmósferas y, sobre todo, a desenlaces que dibujan horrores en la mente del lector más allá del punto final del texto. El mal que acecha en lo cotidiano resulta un motivo principal de muchas de las historias; la muerte, la vejez, la soledad o el castigo por vulnerar normas naturales son otros temas recurrentes.

Abre la antología el excelente cuento Propiedad intelectual. El protagonista de este relato es un escritor con un extraño "don" que no duda en emplear para la composición de sus obras literarias. Con un sobrio comienzo y un ritmo ágil, el primer texto del volumen deja huella gracias a una espeluznante conclusión.

F.A.Q., el segundo relato de esta colección, supone la primera incursión en el terreno de la ciencia-ficción. La trama se desarrolla en una sociedad futurista, organizada alrededor de cámaras y monitores de televisión. Como si de un recorrido por diferentes canales se tratara, este cuento ofrece fragmentos de la descarnada realidad de varios personajes, al tiempo que critica los reality-shows y el "todo vale" por ganar audiencia y dinero.

También en un contexto de ciencia-ficción se sitúa Días de Otoño, Premio Ignotus 2006. Un hombre en el ocaso de su vida es el protagonista de esta historia sobre deseos frustrados, recuerdos y esperanzas. Su ambiguo final refuerza la sensación de melancolía que impregna todo el texto.

Hay un tópico habitual en muchas narraciones breves de terror: pareja en crisis que emprende un viaje por carretera y llega a un pueblo en el que asoma lo insólito. Stephen King, por ejemplo, lo empleó con asiduidad en sus primeros tiempos (ahí están, sin ir más lejos, La estación de las lluvias y ¿Sabe?, tienen un grupo de la leche). Eximeno reproduce este esquema en el interesante cuento Todo lo que siempre quiso. Un matrimonio hace una alto en una localidad costera donde existe un mercado que ofrece todo tipo de objetos curiosos y turbadores.

El instante más triste es otra breve incursión en la ciencia-ficción (en este caso, centrada en la cruel misión de unos exploradores de nuevos mundos y formas de vida). Al igual que ocurre con Anunciación, otro de los cuentos incluidos, parece que el pulso del autor es menos firme cuando se aleja de las coordenadas del terror, desprendiendo esas creaciones cierta frialdad.

Todo lo contrario sucede con Origami, una de las joyas del libro. La extraña relación que mantienen un anciano, narrador del relato, y un joven aficionado a la papiroflexia es el eje sobre el que gira esta pieza galardonada con el Premio Ignotus 2003. Eximeno dosifica el suspense en el primer tercio del cuento y remata el texto con una auténtica muestra de horror.

A gran altura raya también La hora de la verdad, relato que adopta la forma de documento o informe gubernamental sobre cómo debe prepararse una persona para afrontar con garantías el inevitable momento de su muerte. La ironía es una de sus características más reseñables.

Zarza, por su parte, se centra en diversos episodios de la vida de una niña sobre la pesa una terrible maldición. Cuento triste, conmovedor, con reminiscencias de Carrie y un final ciertamente poético.

Lo más dulce, otro gran relato, pertenece al universo de Umbría, pues remite al texto de ese título publicado en el número dos de la revista Historias Asombrosas. También recuerda vagamente a Lo prohibido, de Clive Barker (punto de partida de la película Candyman). Un hombre, enviudado recientemente, realiza un viaje por carretera en compañía de su hija pequeña. Tras algunas horas de camino, decide detenerse a reponer fuerzas y estaciona junto a una tienda de miel regentada por una inquietante anciana. Se puede decir que el cuento (lo mismo que otras piezas de esta antología, como Propiedad Intelectual) está dividido en dos partes diferenciadas: la primera es una historia de personajes (en este caso, una familia rota por la pérdida de uno de sus miembros); la segunda parte, en cambio, da un giro hacia el horror más inefable. A destacar el acertado contraste de sensaciones que sugiere la frase final.

Curiosamente, pues estamos ante un autor experto en microficción, sólo un hiperbreve figura en Bebés jugando con cuchillos. Se trata de Vivo en tu armario (poco más de ciento veinte palabras de extensión), vuelta de tuerca al mito de los terrores nocturnos infantiles.

Le sigue el mencionado Anunciación, irregular coqueteo con la ciencia-ficción en su vertiente más hard. Detalla una invasión alienígena poco convencional.

Cuba, y más concretamente la ciudad de La Habana (descrita de forma preciosista), es el escenario donde transcurre la acción de Al final de este viaje relato acerca de la toma de decisiones trascendentes y las consecuencias de las elecciones que efectúa un individuo a lo largo de su vida. El elemento fantástico está aquí menos presente que en otros textos.

Fragmentos de una flor de pétalos carmesí, curioso homenaje a la reciente ola de películas de terror oriental, narra la historia de un hombre atormentado por una trágica muerte de la que en cierta medida se siente responsable.

A continuación aparece Cuerdas, probablemente el cuento más original y sorprendente de esta antología. A partir de una premisa un tanto absurda (el éxito como productos de consumo masivo de una especie de cuerdas mágicas de faquir), Eximeno construye una muy recomendable historia que pasa del humor al terror con una naturalidad apabullante.

Al caer la noche comienza cuando un extraño forastero interrumpe la velada de una familia residente en un remoto pueblo. Historia de oscuros secretos que tiene su mejor baza, precisamente, en la tensión generada alrededor de la identidad y el auténtico cometido del mencionado visitante.

El siguiente texto, Por un puñado de dólares, es un western con tintes lovecraftianos. Tras un atraco fallido, varios pistoleros descubren que el pequeño pueblo de End Hill oculta numerosos misterios bajo el polvo que cubre sus edificios y sus calles.

En penúltimo lugar, más que un relato propiamente dicho, Polaroid es una colección de veinticuatro estampas grotescas y rebosantes de humor negro, muchas de ellas protagonizadas por niños.

Pone el cierre al volumen Huerto de cruces, cuento muy visual, muy cinematográfico (plagado de imágenes poderosas, como la de un balón rodando por una estación de tren semivacía). Refiere, con cierto poso de melancolía, la evacuación de los últimos habitantes de un pueblo azotado por la más terrible enfermedad. La única pega: cierta previsibilidad en su desenlace.

Como se puede apreciar, nos encontramos ante una antología bastante extensa (lo cual, por cierto, no repercute en su precio). Y aunque lógicamente hay cuentos que tienen mayor interés que otros (y aquí el propio gusto del lector cumple un papel relevante), el nivel del conjunto es más que notable, con al menos media docena de relatos sobresalientes. A menudo, en diversos foros, se alzan voces que protestan por la falta de frescura del terror actual. Esos aficionados críticos deberían olvidar posibles prejuicios y acercarse con premura a Bebés jugando con cuchillos. Si así lo hacen, a buen seguro cambiarán de opinión tras leer el libro.

Breve repaso al cine de 2008

2008-12-29T12:15:00.008+01:00

Concluye el año y es época de balances, análisis y reflexiones. He aquí, pues, mi particular valoración de los estrenos cinematográficos visionados a lo largo de 2008. En total han sido treinta películas (listado completo al final de la entrada): bastante ciencia ficción y terror, algo de fantasía, un western y un par de thrillers. Me marco como propósito para el año venidero ver más cine español, pues por unas causas o por otras tan sólo la más que interesante opera prima de Nacho Vigalondo figura en la lista.

Lo mejor: El caballero oscuro (Christopher Nolan). Poco queda por decir acerca este filme, tal vez la mejor adaptación de un cómic de superhéroes al cine que se ha hecho nunca. El estilo visual, la actuación del reparto, la profundidad de varios aspectos del guión, la banda sonora... En fin, todo un festín para los aficionados al cine de género y, por qué no decirlo, al cine en general.

Nota muy alta también para La niebla (Frank Darabont), filme de terror "auténtico" (de esos que no precisan recurrir a la sangre de forma obscena), que confirma a su director como el que mejor sabe captar la esencia de los libros de Stephen King y trasladarla a la gran pantalla. Que el propio King afirme que prefiere el final de la película (crudo, demoledor) al de su propio texto es un indicio de la maestría de Darabont (responsable de otras dos películas, Cadena perpetua y La milla verde, basadas en novelas del autor de Maine).

La sorpresa: Escondidos en Brujas, de Martin McDonagh. No esperaba nada de ella, quizá por eso me gustó (y mucho). Mezcla de comedia de enredo y cine de gángsters, con un Ralph Fiennes bordando su papel de jefe de dos sicarios perdidos en la sugerente ciudad belga que da título al filme. Esos dos matones, por cierto, son Brendan Gleeson (espléndido también) y Colin Farrell (actor que no es santo de mi devoción, pero admito que en esta filme su interpretación no chirría demasiado) como su novato compañero. Muy agradable la presencia en pantalla de Clémence Poésy, actriz francesa a la que no conocía y a la que seguiré con atención a partir de ahora.

Sería injusto no mencionar en este apartado otras tres películas: la reciente Transsiberian (sobria puesta al día del estilo Hitchcock, a cargo de Brad Anderson); Las Ruinas (Carter Smith), cinta de terror adolescente que está bastante por encima de la media de esa clase de productos; y Los extraños, impactante debut de Bryan Bertino (que presenta similitudes con Funny Games, cuya versión norteamericana data igualmente de este año).

La decepción: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, de Steven Spielberg. Mucho ruido y pocas nueces. Pese a alguna escena de mérito, la cuarta entrega de las aventuras del intrépido arqueólogo me aburrió soberanamente. La trama resulta demasiado barroca e inverosímil (incluso para tratarse de Indiana Jones), el humor (sello inconfundible de la trilogía inicial) por momentos raya lo absurdo (¿me habré hecho viejo desde La última cruzada?). Lo curioso es que durante la proyección tuve la sensación de estar asistiendo a la enésima parte de la saga de La Momia (la que protagoniza Brendan Fraser), saga que precisamente intentaba recuperar el espíritu de las películas de Indy, pero con un tono más paródico.

Tampoco cumplió del todo mis expectativas Hellboy II. Me fascina la imaginación en la creación de personajes y criaturas (aunque en este caso parta de un tebeo) y la estética que propone Del Toro, pero la trama en sí me pareció algo manida.

En cuanto al resto, pues un poco de todo. Me gustaron, sin llegarme a estusiasmar, títulos como El Incidente (Shyamalan), Monstruoso (Matt Reeves) y El tren de las 3:10 (James Mangold); otros (Llamada perdida -Eric Valette- o la adaptación del cómic 3o días de noche -David Slade-) trataré de olvidarlos lo antes posible.

Lista completa de títulos (sin orden en particular y con enlaces a las críticas correspondientes):

30 días de oscuridad (David Slade)
Monstruoso (Matt Reeves)
El Caballero Oscuro (Christopher Nolan)
Doomsday (Neil Marshall)
El Incidente (M. Night Shyamalan)
Venganza (Pierre Morel)
Hellion (Stewart Hendler)
La Niebla (Frank Darabont)
Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Steven Spielberg)
Hellboy II: El ejército dorado (Guillermo Del Toro)
Las Ruinas (Carter Smith)
Hancock (Peter Berg)
Llamada perdida (Eric Valette)
Max Payne (John Moore)
La Momia: La tumba del Emperador Dragón (Rob Cohen)
Funny Games (Michael Haneke)
Los Cronocrímenes (Nacho Vigalondo)
El tren de las 3:10 (James Mangold)
Reflejos (Alexandre Aja)
Jumper (Doug Liman)
Las Ruinas (Carter Smith)
Escondidos en Brujas (Martin McDonagh)
Bobby Z (John Herzfeld)
Bangkok Dangerous (Oxide y Danny Pang)
Los extraños (Bryan Bertino)
Babylon (Mathieu Kassovitz)
Death Race (Paul W. S. Anderson)
Transsiberian (Brad Anderson)
La conspiración del pánico (D.J. Caruso)
En el punto de mira (Pete Travis)

Y llegamos al final de este repaso y de este año para Las leyes del contorsionismo. La próxima actualización será ya en el mes de enero. Hasta entonces, feliz entrada de 2009.

El reinado de los videojuegos

2008-12-26T12:42:00.003+01:00

Los resultados arrojados por un reciente estudio demuestran que los videoconsolas ya no son sólo cosa de niños. Algo evidente, por otra parte, dada la proliferación en los últimos tiempos de cierto tipo de juegos (musicales, culturales) orientados claramente hacia un público más adulto. Y es que poco a poco las máquinas sucesoras de las viejas Atari, Super Nintendo o Game Gear han ido ensanchando horizontes: ya no prima exclusivamente su aspecto lúdico (representado por las tradicionales aventuras gráficas o por los simuladores de conducción); ahora las consolas tienen también otros objetivos: mejorar la capacidad visual o retentiva, facilitar el aprendizaje de idiomas o incluso poner en forma al usuario. En este sentido, la aparición de la Wii supuso todo un punto de inflexión, pues desde el principio sus responsables apostaron por ampliar el espectro de potenciales jugadores: desde nietos hasta abuelos, hecho impensable en las décadas de los ochenta y noventa (¿alguien se imagina en aquella época un anuncio como el de la veterana actriz Amparo Baró combinando botones?). Y la tendencia es ir a más. Por tanto, no resulta arriesgado aventurar que de aquí a pocos años los videojuegos ocuparán por fin la cúspide de la pirámide del ocio, desbancando a su gran rival, la televisión, de ese puesto privilegiado.

Historias Asombrosas -Especial Sitges-, de VV.AA

2008-12-19T09:17:00.005+01:00

El último número publicado hasta la fecha de Historias Asombrosas es un monográfico dedicado a Sitges y a su veterano festival de cine fantástico y de terror.

Tras un escueto prólogo a cargo de David Mateo y Luis M. Rosales, aparece el primero de los ocho relatos que componen en esta ocasión la revista, Volver a Sitges, obra del escritor gaditano Rafael Marín. Se trata de un texto muy breve (apenas dos páginas de extensión) que gira alrededor del encuentro entre dos amantes, una periodista y un inquieto argentino, con motivo del mencionado festival. Historia sencilla, conmovedora, de prosa impecable, a la que sólo se puede achacar un "pero": el elemento fantástico es casi anecdótico, pues cabe una explicación "realista" de los acontecimientos.

Un día cualquiera, firmado por Ángel Luis Sucasas, es el primer relato en el que el humor tienen un peso importante. Narra las peripecias de un friki que acude a una cita con una misteriosa (y seductora) cineasta. El cuento resulta más interesante de lo que su tibio comienzo sugiere.

Santiago Eximeno repite presencia en Historias Asombrosas, pues su nombre ya figuraba en el plantel de autores del segundo número. Impaciente describe cómo varios desconocidos se reúnen en una habitación de hotel para practicar un juego singular. Sobria y con un final desasosegante, esta historia raya a gran altura.

Algo parecido ocurre con El hombre borrado, relato escrito por José Miguel Vilar-Bou. El argumento tiene como protagonista a un individuo que inexplicablemente cada mañana pierde algún miembro. Lo mejor: las dos o tres últimas páginas, que abandonan el tono irónico del principio del texto y se centran en el drama del susodicho personaje.

El zaragozano David Jasso (quien acaba de publicar nuevo libro, Día de perros) es el responsable de Pene a quien pene. La historia trata de un joven director de cine que en el momento de presentar su opera prima en Sitges sufre el acoso de un reportero televisivo. "Descacharrante" es el adjetivo que mejor se me ocurre para definir este cuento.

Invasión, de Joe Alamo, y Johnny Putrido, un zombi en Sitges, de José Manuel Serrano Cueto, son relatos que tienen varios puntos en común. Por ejemplo, ambos versan en mayor o menor medida sobre muertos vivientes y comparten un estilo desenfadado, aunque resulta mucho más paródico y "gamberro" el segundo, como su título deja claro.

Y ya sólo falta por reseñar un texto: La vieja, muy vieja Betty, obra de otro zaragozano, José María Tamparillas. Una actriz en decadencia, la tal Betty, se prepara para recibir un homenaje en la villa costera catalana. En mi opinión, la historia más redonda del volumen. A su calidad literaria, se une el hecho de que cumple con creces los dos requisitos que a priori se le suponían a todos estos cuentos: pertenencia al género y ambientación festivalera.

En definitiva, y aunque echo en falta algo más de terror puro (en detrimento del humor grueso y la caricatura), buen sabor de boca me deja de nuevo esta revista, de la que ya aguardo con impaciencia el próximo número.

El manuscrito de Dios, de Juan Ramón Biedma

2008-11-29T18:19:00.009+01:00

Pese a lo que cabría suponer al leer su título, El manuscrito de Dios no es una novela en la línea de El código Da Vinci y similares. Cierto que una orden religiosa secreta está presente en la trama, pero ahí termina cualquier posible paralelismo con el libro del ínclito Dan Brown. La opera prima de Juan Ramón Biedma, que recuerda en cierto modo a las películas de Álex de la Iglesia, puede definirse como una historia a medio camino entre la intriga y el terror (no exenta, incluso, de algunos toques "gore"), y que transcurre en una Sevilla oscura y decadente, una Sevilla por la que deambulan, bajo una lluvia incesante (¿alguien ha mencionado Seven?), varios personajes con idéntico objetivo: localizar cinco maletas cuyo contenido puede marcar el devenir de la Humanidad.

En mi opinión, lo mejor de la obra es, precisamente, la recreación de la capital hispalense que hace el autor. Biedma presenta una ciudad muy alejada de la imagen turística habitual. Así, la urbe a orillas del río Guadalquivir se convierte un en territorio crepuscular, plagado de facinerosos y harapientos, de miseria y sordidez. Como los "infectados" de las recientes películas sobre muertos vivientes, esta caterva de rufianes y andrajosos recorre las calles sembrando la violencia y el pánico, arrasando todo lo que encuentra a su paso.

Menos interesante, en cambio, me parece el protagonista de la novela, por el que en ningún momento de la lectura conseguí interesarme. Aunque, a decir verdad, no sé si se trata de un demérito del autor o si tal vez esta falta de atractivo es fruto de mi animadversión hacia los sacerdotes literarios con ínfulas de detectives y/o aventureros.

Dicho esto, hay que admitir que al menos la trama del libro está bien construida; la carrera a contrarreloj por esa Sevilla plena de sangre y podredumbre no presenta fisuras. Por otro lado, el estilo de Biedma se caracteriza por su agilidad, y a excepción de algún que otro capítulo incluido a modo de flashback, la acción no da tregua al lector.

En resumen, El manuscrito de Dios es un debut más que interesante que, a causa del tratamiento de algunos aspectos del argumento, quizá no sea del agrado de todos los lectores, pero que posee una fuerza innegable. Tal vez dicha fuerza fuese la responsable de que esta obra recibiera la Mención Especial del Jurado en el II Premio de Novela fallado en la Semana Negra de Gijón del año 2004.

Eden Lake, de James Watkins

2008-11-26T13:16:00.005+01:00

Distinguida con la Mención Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Sitges, la película Eden Lake supone el debut como realizador del guionista británico James Watkins (My little eye -La cámara secreta-), responsable también del libreto del filme.

La premisa argumental de este thriller polémico (por la crudeza de algunas imágenes) y angustioso es sencilla: una pareja decide pasar un fin de semana en un bucólico lago alejado de la gran ciudad. Steve, personaje interpretado por Michael Fassbender, planea pedirle matrimonio a Jenny, una atractiva (aunque por el cartel no lo parezca) Kelly Reilly, mientras ambos disfrutan de un par de días buceando y tomando el sol. Estas breves vacaciones, sin embargo, se ven empañadas por la presencia en el mismo lugar de una pandilla de insolentes quinceañeros. Lo que comienza como una discusión casi banal, pues el origen de la misma está en el excesivo volumen de la radio que portan los adolescentes, concluye con una inesperada explosión de insania y crueldad.

A lo largo de los escasos noventa minutos que dura el metraje, Watkins juega con la idea de la violencia como una especie de virus, de enfermedad contagiosa que se propaga con inusitada rapidez. Propone una versión extrema (y literal) del homo homini lupus. El concepto clave es que todo individuo posee, en mayor o menor medida, el instinto de destruir la vida ajena. Y ese instinto letal sale a relucir cuando se dan las condiciones oportunas. Aquí no hay sádicas familias mutantes (Las colinas tienen ojos), ni monstruos de ultratumba ocultos tras máscaras de hockey (Viernes 13) o disfraces de carnaval (La noche de Halloween). En este filme el depredador puede ser cualquiera, desde un escolar (durante algún pasaje resulta inevitable pensar en El señor de las moscas) hasta la más complaciente ama de casa.

Cuestiones filosóficas al margen, uno de los aspectos reseñables de la película es la fácil empatía del espectador con la pareja protagonista (¿qué adulto no se ha exasperado alguna vez en la playa o en el cine, por ejemplo, con el mocoso de al lado?). Asimismo sobresale el escenario de la trama: un espeso bosque (idóneo para crear la atmósfera que requiere una obra de estas características) donde unos y otros juegan al gato y al ratón. También hay algún apunte psicológico interesante (la presión que ejerce un grupo o una comunidad para controlar la conducta de sus miembros, sin ir más lejos).

Por otro lado, en la parte negativa, el novel director a veces tensa demasiado la cuerda de los acontecimientos, con la consiguiente pérdida de credibilidad en determinadas escenas. Dicho esto, Eden Lake (que puede incluirse en una nueva ola de terror realista y sucio, a la que pertenecen también las recientes adaptaciones cinematográficas de dos novelas de Jack Ketchum: La chica de al lado y Red) es, a mi juicio, una de las mejores películas que ha dado el género en los últimos tiempos.

Crítica de Eden Lake en Muchocine.net

Ajuar funerario, de Fernando Iwasaki

2008-11-21T11:43:00.008+01:00

Ajuar funerario es una exaltación de la micronarrativa de terror. A lo largo de casi noventa pequeños cuentos (ninguno supera la página de extensión), el escritor peruano Fernando Iwasaki disecciona con acierto las claves de un género al que autores como Poe o Lovecraft dieron lustre (no en vano a ambos hay homenajes en el libro). Vampiros, hombres-lobo y ánimas en pena acaparan la atención en buena parte de los textos. No faltan tampoco las alusiones a leyendas urbanas por todos conocidas (la chica de la curva, por ejemplo). Ni el humor. Resulta digna de mención la capacidad del autor para hacer pasar al lector de la sonrisa al escalofrío (y viceversa) en apenas una línea. Con un notable dominio de los registros del lenguaje, Iwasaki convierte a los niños en protagonistas de muchas de las historias, tal vez de las más aterradoras. Un ejemplo:

PETER PAN

Cada vez que hay luna llena yo cierro las ventanas de casa, porque el padre de Mendoza es el hombre lobo y no quiero que se meta en mi cuarto. En verdad no debería asustarme porque el papá de Salazar es Batman y a esas horas debería estar vigilando las calles, pero mejor cierro la ventana porque Merino dice que su padre es Joker, y Joker se la tiene jurada al papá de Salazar.

Todos los papás de mis amigos son superhéroes o villanos famosos, menos mi padre que insiste en que él sólo vende seguros y que no me crea esas tonterías. Aunque no son tonterías porque el otro día Gómez me dijo que su papá era Tarzán y me enseñó su cuchillo, todo manchado con sangre de leopardo.

A mí me gustaría que mi padre fuese alguien, pero no hay ningún héroe que use corbata y chaqueta de cuadritos. Si yo fuera hijo de Conan, Skywalker o Spiderman, entonces nadie volvería a pegarme en el recreo. Por eso me puse a pensar quién podría ser mi padre.

Un día se quedó frito leyendo el periódico y lo vi todo flaco y largo sobre el sofá, con sus bigotes de mosquetero y sus manos pálidas, blancas blancas como el mármol de la mesa. Entonces corrí a la cocina y saqué el hacha de cortar la carne. Por la ventana entraban la luz de la luna y los aullidos del papá de Mendoza, pero mi padre ya grita más fuerte y parece un pirata de verdad. Que se cuiden Merino, Salazar y Gómez, porque ahora soy el hijo del Capitán Garfio.

Fuente: Iwasaki, Fernando. Ajuar funerario. Editorial Páginas de Espuma S. L. Madrid, 2004. Págs. 27-28.

Un enlace interesante: Claves de Ajuar funerario, de Fernando Iwasaki.

Ballard y El imperio del sol

2008-11-15T15:52:00.008+01:00

Hoy celebra su septuagésimo octavo aniversario el prolífico escritor británico James Graham Ballard. Nacido en la populosa ciudad china de Shanghai en 1930, el autor de Crash y La exhibición de atrocidades se ha convertido en una de las voces más rabiosamente originales de finales del siglo XX y comienzos del XXI. Aunque debe su fama, sobre todo, a las novelas de ciencia ficción (a menudo fábulas futuristas o distópicas que abordan uno de sus temas predilectos: los oscuros recovecos de la relación entre civilización y progreso), prefiero quedarme con su libro de corte autobiográfico El imperio del sol, donde describe la experiencia de un muchacho cautivo en un campo de concentración japonés durante la II Guerra Mundial. La historia fue trasladada al cine por Steven Spielberg en una película homónima. Al rodaje de ese filme, estrenado en 1987, corresponde la imagen que acompaña esta entrada.

Avance: Watchmen (carteles y trailer)

2008-11-15T12:03:00.007+01:00

Watchmen, la película basada en la célebre novela gráfica de Alan Moore, sigue calentando motores de cara a su estreno en 2009. Así, el trailer del filme ya está disponible en Yahoo.

Ya tengo la antología de Ackerman

2008-11-11T11:30:00.005+01:00

Ayer recibí por correo este libro: Las mejores historias de horror (recopilación de Forrest J Ackerman -así, sin punto tras la jota-), publicado por Bruguera-Libro Amigo a finales de los sesenta. Se trata de una de las antologías más apreciadas y buscadas por los aficionados al género (yo aproveché una oferta en Iberlibro para hacerme con ella la semana pasada), tanto por su extensión como por la calidad de los textos incluidos. Y es que no en vano contiene cincuenta y cinco relatos de autores como Bram Stoker, H.P Lovecraft, Tennessee Williams, Ray Bradbury, John Wyndham o Theodore Sturgeon.

Pienso acercarme a esta "magna obra" poco a poco, degustando los cuentos a razón de uno o dos al día, y alternándola con otras lecturas. Prefiero hacerlo así antes que afrontarla de un tirón, pues sé por experiencia que libros de estas características, por buenos que sean, pueden llegar a saturar.

En fin, presentada queda mi compañía, literariamente hablando, hasta Navidad.

Michael Crichton (1942-2008)

2008-11-06T11:36:00.004+01:00

Acabo de enterarme de la muerte del escritor norteamericano Michael Crichton. La noticia me ha cogido por sorpresa, pues no sabía que estaba enfermo. Recuerdo ahora la primera vez que oí hablar de él. Ocurrió a comienzos de los noventa, con la adaptación a la gran pantalla de su libro Parque Jurásico. Aquella historia me entusiasmó y despertó mi interés por el resto de su obra. Novelista, creador de series de televisión (Urgencias), guionista y director de cine, Crichton era un "todoterreno" capaz de conectar con el público más diverso. Descanse en paz.

El récord de Will Freeman

2008-10-31T11:28:00.006+01:00

El escritor británico Nick Hornby, en su novela Érase una vez un padre, ofrecía el retrato de un individuo amargado porque la gente le recordaba constantemente que vivía de los beneficios generados por un villancico compuesto por su progenitor tiempo atrás. Will Freeman, que así se llamaba este moderno Scrooge, tenía la costumbre de marcar en el calendario el primer día en que cada año oía la susodicha melodía como anticipo de las fiestas navideñas. Según el libro, que transcurre a comienzos de los noventa, su récord absoluto se situaba en torno al 19 de noviembre. Con disgusto aventuraba que en no demasiado escucharía por primera vez la canción en el mes de agosto. Si este quejicoso personaje viviese en la actualidad, probablemente se asustaría de lo poco desencaminadas que iban sus predicciones. Y es que, atención a la fecha de publicación de esta entrada, los escaparates del centro exhiben ya el tradicional ejército de barbas blancas y casacas rojas. Los anuncios navideños empiezan a colarse en la programación televisiva. Y en la puerta de mis vecinos luce una corona de espumillón desde hace varios días. No, Will Freeman no se equivocaba. A este paso acabaremos comiendo turrón en la playa.

Max Payne, de John Moore

2008-10-29T20:20:00.001+01:00

Dirigida por el irlandés John Moore (responsable del innecesario remake de La Profecía), Max Payne es la enésima adaptación de un videojuego que llega últimamente a las carteleras. Se trata de una historia de género negro con tintes fantásticos, en la que Mark Wahlberg (visto el pasado verano en El incidente, de Shyamalan) interpreta a un policía obsesionado con vengar el brutal asesinato de su esposa.

Sobresale la estética del filme, con una cuidada fotografía (obra de Jonathan Sela, colaborador habitual de Moore) que recuerda en cierto modo a la película Sin City. La nieve, al igual que ocurría con la lluvia en Seven, es un elemento visual de importancia, pues está presente casi en cualquier fotograma de la ciudad escenario de la acción, y contrasta vivamente con la oscuridad y sordidez de la trama, trama que por momentos resulta algo confusa. Y es que a pesar de la sencillez de la premisa argumental, el libreto del debutante Beau Thorne hace aguas y se pierde, a mi juicio, en un absurdo afán de trascendencia.

Las escenas de acción, por otro lado, abusan del estilo "videoclip", aunque no resultan desdeñables. Sin embargo, como sucede en tantas ocasiones, las mejores imágenes, las más impactantes, ya las anticipa el trailer, sin que la película aporte mayor novedad al respecto. También son correctos los efectos especiales, centrados esencialmente en aquellas secuencias donde los personajes sufren los efectos de la droga sobre la que orbita buena parte del filme. Dicha droga abre las puertas de un mundo infernal, literalmente, a los que la consumen, convirtiéndolos en victimas propiciatorias de una suerte de criaturas aladas que entroncan, al parecer, con la mitología nórdica (referencia algo traída por los pelos, todo hay que decirlo).

En cuanto al reparto, abundan los rostros televisivos, con la bella ucraniana Mila Kunis (Aquellos maravillosos 70) y el portorriqueño Amaury Nolasco (Prison Break) en papeles destacados. Hace también una breve intervención un envejecido Chris O´Donnell, estrella en ciernes a finales de la década de los noventa (y que llevaba un tiempo desaparecido de la primera línea de Hollywood.) El peso de la trama recae, cómo no podía ser de otra forma dado que el caracter principal de su personaje, en un sombrío Wahlberg. Aunque ni él ni sus compañeros parecen creerse en demasía la historia.

Es una lástima, pues la película prometía (ahí está como muestra su correcta factura). Sin embargo, en mi opinión, por culpa de un débil guión no consigue responder a las expectativas generadas.

Crítica de Max Payne en Muchocine.net

Pandora en el Congo, de Albert Sánchez Piñol

2008-10-25T18:03:00.006+02:00

Tras La piel fría, Pandora en el Congo es la segunda novela que leo este año de Albert Sánchez Piñol. Y otra vez tengo que elogiar el trabajo del escritor catalán. En esta ocasión, Piñol nos traslada al mismísimo corazón del continente africano. Allí, en medio de la selva, un grupo de buscadores de oro y diamantes se topa con unos extraños seres antropomorfos que parecen proceder de las entrañas de la Tierra. De este modo, como en su anterior libro, volvemos a asistir al choque inicial de civilizaciones, a la violenta convivencia, a los dilemas morales de rigor. No son los únicos ingredientes que reinciden. Si en La piel fría el escenario de la acción era una remota isla, aquí el epicentro de la trama es otro espacio reducido: un calvero, un yacimiento rodeado de agreste vegetación, a varias jornadas de viaje de la ciudad más cercana. También se repite el hecho de que una hembra de la raza desconocida despierta sentimientos inopinados en los humanos. Y de nuevo los nombres gozan de peculiar significado (el clan de "monstruos" subterráneos, por ejemplo, es bautizado como tecton).

Sin embargo, el autor introduce un elemento novedoso respecto a su obra anterior: la metaliteratura. Así, el protagonista de Pandora en el Congo es un joven escritor, un “negro” literario que redacta noveluchas por encargo en el Londres de 1914. Cierto día, un abogado sin escrúpulos requiere sus servicios para plasmar en papel la historia de un preso condenado a muerte, un hombre que le describe su inverosímil aventura en África. Pero aparte de aprovechar el oficio del narrador para hablar de las tribulaciones de su profesión, Piñol reflexiona sobre la condición humana y, especialmente, sobre el amor. Todo ello con un estilo ágil y directo, y el aroma de los libros clásicos de aventuras y de autores como Stevenson, Conrad e incluso Verne.

Por otro lado, quizá el mayor defecto que se le puede echar en cara a Pandora en el Congo es cierta previsibilidad en su desenlace. Reconozco que esperaba un final alejado de tópicos, pero ya desde la segunda mitad de la trama se intuye que no va a ser así.

En cualquier caso, de lo leído en 2008, esta novela ocupa una posición destacada en mis preferencias (diría que un peldaño más arriba que La piel fría). Espero ya con impaciencia (y curiosidad) la siguiente entrega de esta especie de trilogía temática, donde la amenaza, al parecer, no vendrá del mar ni de la tierra, sino del aire.

10 canciones de amor y 7 caminos distintos de vuelta a casa (fragmento)

2008-10-18T18:02:00.002+02:00

Aprovecho la reciente publicación del nuevo trabajo del escritor madrileño Ray Loriga, Ya sólo queda el amor, para "recuperar" en este blog uno de los textos que más me gustan del autor. Se trata de una breve pieza (casi un microrrelato) que forma parte de una secuencia de estampas titulada 10 canciones de amor y 7 caminos distintos de vuelta a casa.

Me he comprado un mapa de carretera. Lo he estudiado cuidadosamente, y sé que hay al menos siete caminos distintos por los que podrías volver a casa. Si me llamas, puedo decirte cuáles son los más seguros. Ya sabes que la mitad de las carreteras están en obras, así que hay que andarse con cuidado. Cuando te fuiste, estabas sola, pero puedes contar conmigo para el viaje de vuelta. Ten cuidado con las ruedas, porque las llantas han perdido el dibujo y en esta época del año llueve mucho. No conduzcas de noche, porque la música de la radio puede dejarte dormida, y sobre todo vigila la temperatura del agua, porque tu coche se calienta demasiado. Ahora me arrepiento de haberte aconsejado un coche usado, pero nos iban tan mal las cosas que me parecía lo menos arriesgado. Me gustaría que tuvieras un coche nuevo y que viajases siempre por carreteras bien iluminadas y que no lloviese todos los jodidos días, porque hay al menos siete caminos distintos por los que podrías volver a casa, y me gustaría que pudieses encontrar alguno.

10 canciones de amor y 7 caminos distintos de vuelta a casa, Ray Loriga.

Otra ráfaga

2008-10-18T17:49:00.002+02:00

Nueva colaboración en el blog Ráfagas, parpadeos. Intimidad, microrrelato de 19 palabras, puede leerse aquí.

Un par de apuntes

2008-10-11T17:56:00.000+02:00

Uno de mis hiperbreves, Vocación, ha sido publicado en el blog Rafagas, parpadeos, sitio web dedicado a la compilación de textos de 39 palabras o menos. Me gustaría aprovechar la ocasión para destacar el enorme trabajo que realizan los responsables de esa bitácora (y de sus "hermanas mayores" -Químicamente impuro y Breves no tan breves-) para la difusión de la literatura fugaz a través de internet.

Por otro lado, desde la editorial Hipálage, vía nota de prensa, me acaban de informar de la existencia de una reseña de A contrarreloj II, antología publicada la pasada primavera (y en la que colaboro con el microrrelato Cíclope). La crítica, firmada por Cristina Monteoliva, puede leerse en la página La biblioteca imaginaria.

Oh my god (cortometraje), de Luis Calderón

2008-10-08T19:13:00.002+02:00

Situémonos por un instante en un parque de una ciudad cualquiera. Sentados en un banco, dos amigos degustan tranquilamente un par de apetitosas hamburguesas. De pronto, uno de ellos rompe el silencio con una cuestión peliaguda: "Tío, ¿tú crees en Dios?".

Así comienza Oh my god, cortometraje del joven realizador sevillano Luis Calderón. Esta pieza cómica, de apenas diez minutos de duración, está estructurada en torno al diálogo que mantienen tres parejas de adolescentes, diálogo que repite siempre el mismo esquema: uno de los interlocutores pone en tela de juicio la existencia la Dios y el otro, en cambio, defiende la fe en una entidad superior.

Más allá de carencias técnicas e interpretativas, lógicas en un producto de esta naturaleza (es decir, que no goza del respaldo de un gran presupuesto ni cuenta con un reparto compuesto por actores profesionales), Oh my god destaca por la frescura de su planteamiento. Es el guión (escrito por el propio Calderón, quien a modo de "hombre orquesta" también se encarga de la producción y el montaje), a mi parecer, el punto fuerte de este corto. Un guión original y sorprendente. Los diálogos, salpicados con alguna que otra referencia pop (ahí está la mención a la serie Doraemon), huyen de la carga trascendente que podría deducirse del punto de partida argumental y se convierten en fiel reflejo del lenguaje cotidiano. Así, un tono irónico y mordaz impregna toda la obra (incluido el oportuno giro final).

Ya he mencionado que la película peca de algunos defectos de carácter típicamente amateur: un par de primeros planos un tanto forzados, por ejemplo. Pero, con todo, creo las aciertos de Oh my god superan ampliamente a sus errores. Y es que no en vano Calderón y su troupe de actores consiguen lo más complicado: arrancar una sonrisa al espectador.

Oh my god puede verse aquí.

Crítica de Oh my God en Muchocine.net

Babylon, de Mathieu Kassovitz

2008-10-05T13:47:00.003+02:00

Después de alcanzar notoriedad en el año 2000 con el "thriller" Los ríos de color púrpura (adaptación de la novela homónima del escritor Jean-Christophe Grange), el realizador (y también actor) francés Mathieu Kassovitz decidió dar el salto a Hollywood. Su primer proyecto en la meca del cine fue Gothika, filme de horror (estrenado en 2003) que contaba con las actrices Halle Barry y Penélope Cruz en los papeles principales. Pese al indudable atractivo de su reparto, la cinta no consiguió el éxito esperado. Ahora, cinco años más tarde y con un generoso presupuesto a sus espaldas, Kassovitz lo intenta de nuevo. Babylon es su propuesta: acción y ciencia ficción con el rudo Vin Diesel como cabeza de cartel.

La película, ambientada en un futuro no demasiado lejano, cuenta la historia de Toorop (Diesel), un hosco mercenario contratado para escoltar a una misteriosa mujer (Mélanie Thierry) desde Europa del Este hasta la ciudad de Nueva York, un viaje plagado de dificultades a causa de los numerosos secretos que la muchacha oculta.

A la vista de este argumento, tal vez cabría pensar que estamos ante una versión "cyberpunk" (véase, por ejemplo, la estética a lo Blade Runner que presenta la Gran Manzana) de Transporter, aquel filme de acción en el que Jason Statham interpretaba a un inusual repartidor de paquetes para la mafia. Y por ahí van los tiros (nunca mejor dicho) durante buena parte del metraje. En su tramo final, sin embargo, Babylon se convierte en algo completamente diferente, pues a la pirotecnia y los mamporros de rigor se une una suerte de intriga pseudo religiosa que no termina de cuajar. De esta forma, los últimos minutos de la película son una confusa sucesión de explicaciones sobre sectas mesiánicas y milagros de cariz bíblico.

En toda esta odisea, el actor de Pitch Black y Triple X está acompañado por varios secundarios de altura: Michelle Yeoh (vista recientemente en La momia: La tumba del emperador dragón), un "desfigurado" Gérad Depardieu y Charlotte Rampling (quien demuestra estar de vuelta de todo). Los tres se limitan a cumplir el expediente con mayor o menor fortuna. Algo lógico, por otra parte, si consideramos el escaso partido que se le puede sacar a un guión como éste, repleto de vana palabrería y modismos "high-tech".

En cuanto a las secuencias de acción, a priori el auténtico reclamo del filme, pues tampoco encontramos ninguna novedad. La sombra de Matrix parece todavía demasiado alargada en casi todas las películas de esta naturaleza. Sorprende, eso sí, lo caóticas que resultan algunas escenas de lucha, más propias de "serie B" que de una cinta de primera categoría.

En definitiva, Babylon gustará a los seguidores acérrimos de su protagonista (que los hay) y creo que defraudará al resto. Por cierto, el propio Kassovitz, en una entrevista reciente, declaró sentirse insatisfecho con la obra y aseguró que el resultado final (imposición de los productores) no se corresponde en absoluto con la idea original que tenía en mente (más próxima a la novela en que se basa el filme). Así pues, quizá haya que esperar a una hipotética “versión del director” en dvd para juzgar convenientemente una película que de momento no pasa de mediocre.

Crítica de Babylon en Muchocine.net

Los extraños, de Bryan Bertino

2008-09-24T22:44:00.001+02:00

Los extraños supone el debut como director y guionista de Bryan Bertino, un joven cineasta tejano que, tras destacar en un concurso de nuevos talentos, consiguió vender el libreto de este filme (inspirado, por cierto, en un suceso real) a la Universal, compañía que más tarde le ofreció dirigir su propia historia.

La premisa argumental (que presenta más de un punto en común con Funny Games, la película que el danés Michael Haneke estrenó en 1997 -y que recreó hace tan solo unos meses-) es sencilla: una pareja de "treintañeros" intenta solucionar una crisis en su relación con una cena en un aislado caserón (propiedad de la familia de uno de ellos). Para sorpresa de ambos, en mitad de la noche, una misteriosa muchacha llama a la puerta y pregunta por una tal Tamara. Cuando le responden que se ha equivocado de dirección, da comienzo una pesadilla de la que ya no consiguen escapar.

Desde el punto de vista formal, destaca el carácter casi teatral de la propuesta. El reparto, por ejemplo, incluye tan sólo media docena de actores (tres de los cuales ocultan su rostro tras grotescas máscaras). Y la acción transcurre prácticamente en un único escenario, la antigua casa antes mencionada. Esto último tal vez podría causar cierto malestar (por exceso de sensación claustrofóbica) en el espectador, pero el novel realizador se muestra hábil en el manejo del espacio para impedir que ello suceda.

No es el único acierto de Bertino. El empleo del contraste silencio/ruido (atención al viejo tocadiscos) como fuente de inquietud resulta un aspecto igualmente digno de mención. Otro tanto ocurre con el juego de luces y sombras en las pocas escenas que transcurren en el patio exterior de la casa.

En cuanto a la interpretación de la pareja protagonista, Liv Tyler se desenvuelve de un modo más que correcto en un papel no exento de dificultad, pues sobre su actuación recae buena parte del peso de la trama. No se puede decir lo mismo de su partenaire, quien demuestra estar todavía demasiado “verde” para encabezar el reparto de cualquier producción con un mínimo de pretensiones.

Entre los aspectos negativos del filme, además de la inexpresividad de Scott Speedman, sobresale la explicación algo embarullada de cuál es el verdadero origen de los problemas de la pareja (breve flashback incluido). Y el plano final, totalmente prescindible (y que malogra un acertado anticlímax).

Resumiendo, aunque Los extraños no se distingue precisamente por la originalidad de su planteamiento, posee un indiscutible valor como producto bien confeccionado. Más aún cuando tenemos en cuenta el carácter primerizo de la obra. Por tanto, si alguien desea pasar hora y media (escasa) de "mal rollo" sin estridencias en una sala de cine, con esta película no quedará defraudado.

Crítica de Los Extraños en Muchocine.net

Bangkok Dangerous, de Oxide y Danny Pang

2008-09-21T17:49:00.002+02:00

Con ecos de León, el profesional (Luc Besson, 1994) y la reciente Collateral (Michael Mann, 2004), Bangkok Dangerous, filme dirigido al alimón por los hermanos Oxide y Danny Pang (que aquí recrean su propia película del año 1999), cuenta las vicisitudes de Joe (Nicolas Cage), un asesino a sueldo que aterriza en la capital de Tailandia para afrontar su último trabajo. Metódico y calculador, este veterano sicario conoce bien las normas necesarias para sobrevivir en el oficio. No llama la atención. Siempre evita dejar rastros. Y bajo ninguna circunstancia estrecha vínculos con nadie. Hasta ahora Joe se ha mantenido fiel a estos principios. Pero en Bangkok va a ver cómo su concepción del mundo se desmorona.

Gustan los realizadores orientales (John Woo al frente) de combinar en sus obras conceptos tan poco complementarios a priori como la violencia y la poesía. La violencia suele ser áspera, dura. Te obliga a cerrar los ojos, a volver la cabeza. La poesía, por su parte, a menudo está presente en forma de pequeños detalles (una bandada de palomas que remonta el vuelo o una flor arrastrada por las aguas). Esta dualidad (tan exótica para el espectador occidental) también existe en Bangkok Dangerous. Lo lírico se cuela entre tiroteos y persecuciones. Baste citar al respecto la secuencia en la que la muchacha sordomuda descubre la verdadera naturaleza de Joe o todas las escenas en las que aparece la imagen del elefante. Desde el punto de vista simbólico, resulta igualmente destacable la contraposición entre el protagonista y la ciudad escenario de la trama, es decir, entre Joe (sinónimo de muerte) y Bangkok (lugar que desborda vida).

Pero más allá de este plano alegórico, completamente subjetivo, apenas son plausibles otros aspectos de esta producción. Con independencia del estrafalario peinado que luce durante todo el filme, Nicolas Cage está en su registro habitual de los últimos tiempos, demasiado hierático para hacer creíble un papel como éste, en el que hay una acusada evolución del personaje. La acción, el teórico punto fuerte de la cinta, resulta a veces redundante, excesiva. Y el argumento en sí, con todos los dilemas morales que plantea, ya queda dicho que no es precisamente innovador.

Así pues, Bangkok Dangerous se revela como una propuesta en cierto modo decepcionante. Y que confirma el continuo vaivén de la trayectoria de los Pang (capaces de dar la cal y la de arena), al tiempo que certifica la deriva de la carrera de una actor, Nicolas Cage, incapaz de alcanzar el nivel interpretativo exhibido en Leaving Las Vegas (1995), de largo su mejor trabajo hasta la fecha.

Crítica de Bangkok Dangerous en Muchocine.net

Dexter, una modélica introducción

2008-09-20T12:08:00.001+02:00

Quizá una de las mejores secuencias de créditos de los últimos tiempos es la de la serie televisiva Dexter. Esta breve introducción a los capítulos resulta todo un ejemplo de creatividad sin necesidad de recurrir a complejos diseños plagados de efectos especiales. Precisamente la aparente sencillez de la propuesta es lo primero que llama la atención. En efecto, vemos al protagonista, Michael C. Hall (pero podría ser cualquiera, pues su rostro permanece en el anonimato hasta casi el final), realizando las tareas habituales de primera hora de la mañana: asearse, vestirse, preparar el desayuno, etc... Sin embargo, la manera de presentar cada una de las acciones sugiere algo más, algo que se aparta de la cotidianidad y llega a resultar inquietante, casi malsano. Se trata de un juego de apariencias: hasta lo que semeja más inofensivo puede tener un lado oscuro. Como ocurre, en realidad, con el propio personaje principal de la serie.

Por si alguien no las conoce, he aquí las imágenes de las que hablo (la música que acompaña la secuencia es de Rolfe Kent):

Bobby Z, de John Herzfeld

2008-09-19T11:17:00.011+02:00

Estamos ante una película de acción con alguna que otra pequeña pincelada cómica. La historia, basada en la novela del escritor Don Winslow, se centra en Tim Kearney (Paul Walker), un preso conflictivo al que un rudo agente de la DEA (interpretado por el siempre solvente Laurence Fishburne) ofrece un acuerdo singular: eludir los años de condena que le restan por cumplir a cambio de suplantar la personalidad de un legendario traficante de drogas apodado Bobby Z (con el que guarda un más que razonable parecido físico). El objetivo del plan es intentar engañar al peligroso mafioso mexicano de apellido Huertero (Joaquim de Almeida), previamente estafado por el auténtico personaje que da título al filme (y cuya entrega exige Huertero como contrapartida en un canje de rehenes). Ante la promesa de libertad, y pese al elevado riesgo que entraña la decisión, Kearney acepta el acuerdo. Pero los acontecimientos no tardan en dar un vuelco inesperado.

El director John Herzfeld (responsable, entre otras películas, de 15 minutos, aquel estimable thriller protagonizado por Robert de Niro y Edward Burns en 2001) firma este producto que no parece tener mayor pretensión que la de convertirse en mero pasatiempo para una tarde de verano. Así, el guión, con la inevitable sucesión de persecuciones, tiroteos y equívocos, consigue aportar la dosis mínima de interés para que el espectador permanezca atento a los hechos que ocurren en pantalla. A ello contribuye también la duración del metraje, que evita pecar de excesiva (cosa que es de agradecer en una propuesta de estas características).

Por contra, desde el punto de vista de su manufactura, conviene apuntar que Bobby Z a ratos semeja un vulgar telefilme de sobremesa (o una de esas películas que aparecen directamente en el mercado dvd) más que un proyecto destinado a su estreno en salas comerciales. Aparte de esta evidente falta de ambición artística, destaca negativamente cierta indefinición si de personalidad hablamos. Incluso ahora, un par de días después de haber visto la película, sigo sin comprender cuál era la intención primaria del realizador, pues la obra camina entre el ejercicio de estilo imitando al dúo Rodriguez/Tarantino, las cintas de Van Damme e incluso algún episodio de Los vigilantes de la playa. Todo este cóctel remata con un final que abusa de los tópicos. En cuanto al reparto, Paul Walker se limita a repetir (con un par de llaves de lucha más) el papel que le dio fama en la frenética A todo gas, y la atractiva Olivia Wilde (vista recientemente en la serie House) se queda simplemente en la chica de la historia. Ni siquiera dos ilustres veteranos como Fishburne y Almeida consiguen, con su buen hacer habitual, rescatar a Bobby Z de la mediocridad.

NOTA POST SCRIPTUM: A partir de ahora Las leyes del contorsionismo se convierte en blog colaborador del portal Muchocine.net, comunidad de crítica cinematográfica independiente. Por tal motivo, las reseñas de películas que vaya publicando en esta bitácora también podrán leerse en aquella página.

Crítica de Bobby Z en Muchocine.net

Reflejos, de Alexandre Aja

2008-09-14T15:50:00.000+02:00

El próximo día 2 de octubre el realizador francés Alexandre Aja abrirá la 41ª edición del Festival Internacional de Cinema de Catalunya con Reflejos (Mirrors), remake del filme Geoul Sokeuro (Into the Mirrors), que el coreano Kim Sung Ho estrenó en 2003. No es la primera vez que el joven director parisino revisa una cinta clásica de horror (si se puede calificar así a una película con apenas cinco años de vida), ya lo hizo en fechas recientes con Las colinas tienen ojos (Wes Craven, 1977), obteniendo una entusiasta acogida tanto del público como de la crítica especializada. Tampoco se trata de su debut en Sitges, pues conviene recordar que obtuvo el Premio al Mejor Director por Alta tensión, aquel largometraje perverso y tramposo cuyo reparto encabezaban las actrices Cécile de France y Maïwenn Le Besco.

El protagonista de Reflejos es un ex agente de la ley, interpretado por el veterano Kiefer Sutherland (Jack Bauer en la serie televisiva 24), que atraviesa una situación personal delicada. Sus problemas con la bebida, además de hacerle perder su empleo, le han distanciado de su mujer y sus dos hijos, por lo que debe compartir apartamento con su hermana (Amy Smart). Para intentar recuperar el control de su vida, decide aceptar un trabajo como vigilante nocturno en un viejo edificio del centro de la ciudad. Una de las plantas de dicho inmueble, antaño espacio dedicado a la perfumería y cosmética, conserva todavía un buen número de espejos de grandes proporciones, espejos que para su incredulidad (y desasosiego) parecen no limitarse a mostrar la realidad que les rodea.

Aja, miembro destacado del llamado Splat Pack (grupo de cineastas que en los últimos tiempos están reivindicando la sangre en las pantallas de cine, y del que también forman parte directores como Eli Roth -Hostel- o Neil Marshall -The Descent-), se aleja un tanto de otras películas recientes de su filmografía en cuanto al nivel de hemoglobina presente en el metraje: más escaso que en ocasiones anteriores (aunque, no se alarmen los aficionados al gore, hay un par de escenas "potentes" en ese sentido). El argumento aquí está más enfocado hacia el thriller psicológico, incluso al thriller a secas, pues buena parte del mismo lo ocupa la investigación para descubrir el origen de los inquietantes sucesos que ocurren en el lugar de trabajo del personaje interpretado por Sutherland. Sólo en su último tercio, el filme se sumerge de lleno en las aguas del terror tradicional, por decirlo de alguna manera. Y como tal, como intriga pseudo policial con algún apunte truculento, funciona correctamente.

¿Cuál es entonces el defecto de Reflejos? Que repite esquemas muy conocidos para el gran público gracias a recientes películas del mismo corte, es decir, directamente inspiradas en productos de horror oriental. A cualquiera que haya visto The Ring, Dark Water, Llamada perdida, La maldición o Retratos del más allá no le sorprenderá lo más mínimo el devenir de los acontecimientos narrados. Es más, incluso encontrará redundantes algunos elementos. Y es que ciertos recursos narrativos (los secretos del pasado que regresan tras permanecer largo tiempo en el olvido o la aparición de los sempiternos fantasmas sedientos de venganza) y estéticos (el uso del agua como espacio en el que acecha el Mal, por ejemplo) ya no causan la misma impresión en el espectador avezado. Así las cosas, pienso que urge una renovación de los tópicos de este subgénero importado del continente asiático, pues corre el riesgo de entrar en una deriva similar a la atravesada por el slasher adolescente norteamericano y terminar convertido en una vulgar parodia de sí mismo.

Esquivando el K.O

2008-09-12T06:46:00.002+02:00

La gran triunfadora de la última edición del Festival de cine de Venecia, cuyo palmarés se hizo público el pasado sábado, fue The wrestler (El luchador), película dirigida por el realizador estadounidense Darren Aronofsky (dueño hasta ahora de una más que interesante filmografía, en la que se incluyen títulos como Pi, Réquiem por un sueño y La fuente de la vida). El jurado del certamen, presidido por el veterano cineasta alemán Win Wenders, consideró este filme como el mejor de los veintiuno presentados a concurso y le otorgó el prestigioso León de Oro.

El protagonista de The wrestler es un campeón de lucha libre venido a menos, un veterano en declive que mira al pasado con nostalgia. ¿Y quién mejor que Mickey Rourke para encarnar a un personaje así? Supongo que muchos recordarán a este actor por compartir cartel con el gran icono sexual de la década de los ochenta, la angelical rubia Kim Basinger, en la célebre (y algo sobrevalorada) película Nueve semanas y media. Sin embargo, por aquel entonces, la carrera de Rourke contaba con otros papeles de interés. Directores como Lawrence Kasdan (Fuego en el cuerpo), Francis F. Coppola (La ley de la calle), Michael Cimino (Manhattan Sur) o Walter Hill (Johnny el guapo) se habían fijado en él y lo habían tenido a sus órdenes. Incluso en 1987 interpretó con razonable éxito de crítica al escritor y poeta Charles Bukowski, con quien llegó a trabar amistad. No sería hasta tres años más tarde, en los albores de los noventa, cuando empezó su decadencia. Cumpliendo un viejo sueño de la infancia, el actor trocó platós por cuadriláteros, cámaras por guantes y calzones, y comenzó un corto periplo por el mundo del boxeo profesional. Consumado su fracaso como púgil, quiso reengancharse al tren de Hollywood. Pero su estrella ya se había apagado.

Desde entonces busca encenderla nuevamente. Su currículum en este tiempo incluye diversas operaciones estéticas para reparar las secuelas que la dura vida sobre el ring dejó en su rostro, polémicos matrimonios, coqueteos con la Justicia y algunos papeles en películas de tercera y cuarta fila -siempre explotando su imagen "encallecida"-; valga de ejemplo de esta decadencia su intervención en Double Team, subproducto a mayor gloria del belga Jean-Claude Van Damme en el que Rourke interpretaba al malvado de turno: el peligroso terrorista Stavros. En 2005, el director tejano Robert Rodriguez pensó en él para dar vida al personaje de cómic Marv en la película Sin City (adaptación de las historietas de Frank Miller). Fue el primer atisbo de luz al final del túnel. Su interpretación recibió una calurosa acogida, aunque lo cierto es que Rourke no logró con ella recuperar el crédito perdido y regresar a la primera línea. Tal vez lo consiga ahora, de la mano de Aronofsky, con un papel que contiene muchos ingredientes de su propia existencia: un tipo que cae, besa la lona e intenta levantarse.

La cuenta atrás (A conta atrás)

2008-09-08T12:57:00.003+02:00

Ya está a la venta La cuenta atrás (A conta atrás), novela gráfica inspirada en los acontecimientos sucedidos a raíz del hundimiento del petrolero Prestige en las costas gallegas. El guión es obra de Carlos Portela; los dibujos, de Sergi San Julián. El escritor Manuel Rivas se encarga del prólogo. Edita: Factoría K.